Parfois, vous terminez une animation et constatez que les couleurs sont ternes. Ou vous voulez simplement modifier les tons pour correspondre à une esthétique.
Au lieu de modifier image par image, vous pouvez simplement corriger les couleurs pendant la post-production, d’un seul coup.
Continuez votre lecture pour découvrir des conseils afin de bien démarrer la correction des couleurs !
Qu’est-ce que la correction des couleurs ?
C’est ainsi que l’on passe d’une scène 3D qui semble « brute » à un produit final attirant :
Vous voyez la différence ? Elle se remarque immédiatement.
Pourquoi la correction des couleurs est-elle importante ?
Les scènes sont animées à des moments différents ou par des artistes différents. Les erreurs peuvent entraîner de légères variations dans les tons de couleur. La correction des couleurs résout cela et garantit que toutes les scènes conservent une palette cohérente.
Les couleurs influencent fortement le ton émotionnel d’une scène. Grâce à la correction des couleurs, les animateurs peuvent aussi mettre en avant certains ressentis, comme des tons plus froids pour évoquer la tristesse, ou des teintes plus chaudes pour traduire le confort et le bonheur. Des couleurs spécifiques sont souvent utilisées pour communiquer des thèmes ou des motifs particuliers au sein d’une histoire.
Selon le style de la production, la correction des couleurs peut rendre une animation plus réaliste ou créer une esthétique. Par exemple, une animation réaliste peut nécessiter des ajustements précis pour correspondre à des conditions d’éclairage naturelles, tandis qu’une pièce stylisée peut tirer profit de schémas de couleurs plus marqués.
Les éléments de la couleur
Pour comprendre comment fonctionne la correction des couleurs, vous devez connaître les éléments fondamentaux de la couleur : la teinte, la saturation, la luminosité, ainsi que les processus de teintage et d’ombrage.
- La teinte est la famille de couleur, ou la couleur de base de votre animation. La couleur pure, sans aucun teintage ni ombrage. Des outils comme les roues chromatiques vous aident à visualiser et choisir des teintes harmonieuses pour vos compositions.
- La saturation définit l’intensité ou la pureté d’une couleur. Une saturation élevée produit des couleurs éclatantes, tandis qu’une saturation faible conduit à des couleurs plus ternes. Une saturation élevée signale l’excitation et l’activité, tandis que des couleurs désaturées évoquent la nostalgie ou la gravité.
- La luminosité détermine à quel point une couleur paraît claire ou sombre. Elle impacte fortement l’ambiance et la profondeur d’une scène. Vous pouvez jouer sur les variations de luminosité pour créer du contraste et susciter de l’intérêt visuel : un personnage clair sur un arrière-plan sombre attire naturellement le regard.
Le teintage consiste à ajouter du blanc à une couleur pour la rendre plus claire, tandis que l’ombrage ajoute du noir pour l’assombrir. Ces techniques permettent de créer des effets de lumière.
Pour rester cohérent tout au long de la production, les animateurs utilisent un color script : une esquisse stratégique de la palette de couleurs pour l’ensemble du projet.
1. Ajustement de la balance des blancs
L’ajustement de la balance des blancs élimine les dominantes de couleur irréalistes dans votre animation, afin que le blanc paraisse blanc « pur » et que toutes les autres couleurs aient un rendu naturel. Ce processus consiste à ajuster les couleurs de vos scènes pour qu’elles correspondent à ce qu’elles donneraient sous un éclairage neutre, en imitant la façon dont nos yeux perçoivent la couleur dans différents environnements lumineux.
La plupart des logiciels d’animation et de montage incluent un outil de balance des blancs pour ajuster automatiquement votre scène à partir d’un point neutre sélectionné (zones blanches ou grises).
Dans Blender, par exemple, vous pouvez trouver la fonction de balance des blancs dans le panneau de gestion des couleurs des propriétés de rendu.
2. Correction de l’exposition
La correction de l’exposition modifie les niveaux de luminosité pour s’assurer que les détails des zones les plus sombres et les plus claires sont visibles et correctement équilibrés : elle ajuste la quantité de lumière dans vos images pour que votre audience voie clairement les détails et les couleurs prévus, sans aucune partie sous-exposée (trop sombre) ou surexposée (trop lumineuse).
Les outils de type histogramme aident à évaluer une exposition correcte en affichant les valeurs tonales de votre image : la répartition des ombres, des tons moyens et des hautes lumières. Vous pouvez utiliser des scopes pour vérifier que chaque scène a le même niveau d’exposition, sauf si vous animez des retours en arrière ou des séquences de rêve.
Blender propose le nœud Exposure pour augmenter la luminosité d’une zone. Par exemple, une fenêtre dans une pièce.
3. Amélioration du contraste
L’amélioration du contraste modifie l’écart entre les parties les plus claires et les plus sombres d’une image. En renforçant ces différences, les animateurs peuvent rendre les visuels plus captivants.
Pour y parvenir, on modifie les niveaux de luminosité afin que chaque élément dans une image ressorte correctement. Une zone à fort contraste attire naturellement l’œil.
4. Ajustement de l’équilibre des couleurs
L’ajustement de l’équilibre des couleurs consiste à modifier l’intensité des couleurs d’une scène pour obtenir un ton visuel souhaité : régler les couleurs pour qu’elles se complètent et créent un rendu harmonieux.
Si votre scène animée se déroule au lever du soleil, vous voulez obtenir un équilibre qui reflète la douce chaleur de la lumière du matin. Vous commencez par identifier la couleur dominante de votre scène au lever du soleil sur la roue chromatique : elle peut être un jaune-orangé doux. Pour renforcer cette chaleur, vous pouvez ajuster légèrement l’équilibre vers le rouge, afin de donner l’impression d’une matinée délicate.
Pour voir l’équilibre des couleurs en action, observez l’interaction entre les couleurs sur la roue chromatique : si votre scène contient trop de jaune (situé à côté des verts sur la roue), il pourrait, par inadvertance, tirer vers une teinte verte froide, ce qui contredirait votre intention. En ajustant avec soin l’équilibre, vous pouvez maintenir un jaune doux et accueillant, sans basculer vers le côté plus froid du spectre.
5. Contrôle de la saturation
Il s’agit du réglage de l’intensité ou de la pureté des couleurs dans vos images.
Imaginons que vous animiez une scène de forêt paisible au lever du jour : choisir des couleurs atténuées et désaturées illustre une ambiance calme et sereine. À l’inverse, augmenter la saturation rendrait tout exagéré et détournerait l’attention de la narration. La sursaturation peut aussi entraîner une perte de détails.
Si le choix stylistique est de faire « ressortir » les couleurs, alors une palette plus saturée peut être à la fois intentionnelle et efficace.
Une règle simple consiste à commencer par une base neutre et à ajuster progressivement.
6. Color grading
Le color grading, c’est modifier les couleurs de votre animation pour créer un rendu ou une ambiance spécifiques.
Prenez une scène où votre personnage est sur une plage ensoleillée. En appliquant des techniques de color grading, vous pouvez renforcer la luminosité du ciel, saturer les couleurs de l’océan pour créer une atmosphère plus vivante et accueillante, et ajuster les tons de peau des personnages pour qu’ils paraissent plus naturels sous la lumière du soleil.
Une façon d’obtenir un color grading cohérent et reproductible consiste à utiliser des Color Lookup Tables (LUTs) : des réglages de couleur prédéfinis que vous pouvez appliquer à votre animation pour obtenir rapidement un rendu professionnel.
Les scopes / histogrammes vidéo permettent aussi d’évaluer précisément l’équilibre des couleurs, l’exposition et les niveaux de luminosité, afin d’éviter des couleurs trop claires ou trop sombres.
7. Correction des tons de peau
La correction des tons de peau affine la couleur de la peau des personnages pour qu’elle paraisse naturelle et cohérente selon diverses conditions d’éclairage et différents décors.
Un soleil intense peut délaver les couleurs et rendre les tons de peau trop pâles ou méconnaissables.
Pour corriger cela, les animateurs utilisent des outils logiciels pour ajuster l’équilibre des couleurs. Par exemple, en augmentant légèrement la saturation dans les tons plus chauds (rouges et jaunes), la peau peut conserver sa vivacité sous une lumière dure.
Conclusion
La correction des couleurs est une étape importante de la post-production pour sublimer le résultat final. Différentes techniques apportent différents bénéfices, et il est essentiel de comprendre comment elles fonctionnent pour en tirer le meilleur.
Selon l’outil DCC que vous utilisez, votre workflow changera, mais les principes restent globalement les mêmes. Jetez un œil à la section de Blender consacrée à la gestion des couleurs pour en savoir plus sur la correction des couleurs pour le rendu.
Si votre animation comporte plusieurs plans dans le même décor, les animateurs choisissent généralement une « image référence » (hero frame) avec le bon équilibre, puis s’en servent comme point de comparaison pour les autres scènes afin d’accélérer le processus d’ajustement tout en aidant à conserver la cohérence visuelle.
La correction des couleurs n’est toutefois pas un substitut à une bonne direction colorimétrique : vous devez choisir proactivement des palettes de couleurs adaptées à votre histoire dès la phase de conception. Consultez ce guide pour choisir une palette de couleurs pour le character design afin d’en savoir plus.
