Comprendre les 12 principes de l’animation est l’une des premières étapes pour tout animateur professionnel. Parmi eux, le principe du suivi et de l’action superposée est l’un des plus reconnaissables : on le retrouve dans n’importe quel projet animé, aussi minimal soit-il.
Dans cet article, nous explorons les meilleures pratiques de ce principe d’animation : de la compréhension des mouvements qui persistent après qu’un personnage atterrit d’un saut à la maîtrise de la chorégraphie des mouvements secondaires grâce à des techniques d’animation en couches, nous couvrons les bases essentielles.
À la fin, vous devriez bien comprendre ce dont parle ce principe et avoir de bonnes idées concrètes à appliquer dans vos propres projets d’animation.
Qu’est-ce que le suivi
Le principe de suivi désigne la continuation du mouvement de différents éléments d’un personnage ou d’un objet après l’arrêt de l’action principale.
Par exemple, lorsqu’un personnage animé s’arrête brusquement de courir, ses longs cheveux peuvent avancer brièvement avant de se stabiliser.
Qu’est-ce que l’action superposée
Quand un personnage court, ses cheveux ou ses vêtements bougent aussi. Le léger décalage ou la variation de synchronisation entre les différentes parties d’un personnage ou d’un objet, lorsqu’elles se déplacent, s’appelle l’action superposée.
Pourquoi ce principe est important
Le suivi et l’action superposée permettent de communiquer le poids et la masse des objets ou des personnages, en donnant à l’animation une sensation de gravité et d’inertie.
Ces principes introduisent des délais naturels et de la fluidité dans les mouvements, rendant les animations moins mécaniques.
La façon dont un personnage bouge révèle des volumes sur son état émotionnel, et vous pouvez aussi utiliser la superposition pour construire du suspense ou mettre en avant des moments clés dans une scène.
1. Prioriser le poids et l’élan
Pour représenter correctement le poids et l’élan, l’animateur doit d’abord comprendre comment différents objets et personnages réagissent sous l’effet de la gravité, de l’inertie et d’autres forces.
Lorsqu’un personnage saute, l’action ne se termine pas simplement au moment où il atterrit. Au contraire, ses différentes parties du corps, ses cheveux ou ses vêtements amples continueront à bouger, portés par l’élan généré pendant le saut. Ce mouvement persistant est une excellente occasion pour les animateurs de souligner la force vers le bas exercée pendant l’atterrissage. On peut l’observer dans la façon dont les cheveux d’un personnage rebondissent ou dans la manière dont les vêtements amples flottent puis se stabilisent progressivement après que le mouvement semble avoir pris fin.
2. Utiliser des techniques d’animation en couches
L’animation en couches consiste à séparer différents aspects du mouvement en couches distinctes, manipulables individuellement, comme le mouvement principal et le mouvement secondaire, afin de faciliter l’ajustement des superpositions.
Les animateurs devraient commencer par les grands mouvements du corps, comme ceux du torse : le torse sert d’axe central du corps d’un personnage. Il est souvent à l’origine des mouvements principaux ; en établissant d’abord le mouvement du torse, vous créez une base solide sur laquelle toutes les autres actions pourront être fondées de manière réaliste. Une fois le mouvement principal en place, les animateurs peuvent ajouter des mouvements secondaires, y compris des actions superposées.
Une fois le mouvement principal animé, l’attention peut alors se déplacer vers des animations supplémentaires de suivi. En traitant ces éléments séparément, les animateurs peuvent s’assurer que chaque mouvement s’enchaîne naturellement et transitionne en douceur d’une phase à la suivante.
Vous pouvez aussi ajouter des accessoires comme des chapeaux, des colliers et d’autres props pour donner à l’animation une couche de profondeur supplémentaire.
3. Utiliser des images de référence
Une stratégie efficace pour maîtriser ce principe consiste à utiliser des images de référence : analyser et décomposer des prises réelles permet aux animateurs de saisir des détails de mouvement nuancés qui peuvent être difficiles à visualiser uniquement avec l’imagination.
Les images de référence fournissent des détails fins qui pourraient passer inaperçus sans aides visuelles, tout en transmettant fortement un sentiment de réalisme. Par exemple, la façon dont le corps d’un danseur continue de bouger de manière fluide après un saut, ou la manière dont les cheveux d’un acteur suivent le mouvement de sa tête, offrent des informations précieuses pour créer un suivi vivant dans l’animation. En observant comment ces mouvements se produisent dans la réalité, les animateurs peuvent les reproduire, voire les exagérer, afin d’en augmenter l’impact.
Lors de l’animation de scènes de sport, l’étude de vidéos en ralenti des athlètes en action est particulièrement bénéfique. En disséquant ces séquences image par image, les animateurs peuvent mieux comprendre comment les différentes parties du corps contribuent à un mouvement cohérent.
Il en va de même pour les expressions faciales complexes. Le visage possède 43 muscles qui contrôlent les expressions, chacune avec des actions superposées et parfois des animations de suivi (par ex., le contre-coup du tremblement des yeux).
4. Intégrer le mouvement secondaire tôt
Planifiez et intégrez les actions secondaires dès les premières étapes de l’animation pour conserver une cohérence.
En procédant ainsi, les animateurs peuvent éviter d’éventuelles déconnexions entre les actions principales et secondaires, afin de prévenir des mouvements qui ne correspondent pas et nécessitent souvent des corrections importantes. Cela réduit ainsi le temps passé à effectuer des révisions.
Par exemple, les animateurs peuvent incorporer des suivis probables et des actions superposées lorsqu’ils proposent des esquisses initiales ou des storyboards.
Pensez à une scène impliquant un groupe d’oiseaux qui prennent leur envol. À la phase de planification initiale, il est essentiel de visualiser comment chaque oiseau fera bouger indépendamment ses ailes, sa queue et son corps, tout en restant harmonieux au moment où ils s’élèvent dans l’air. Les esquisses peuvent inclure le léger balancement des plumes qui prennent un peu de retard sur le mouvement des ailes, ou la façon naturelle dont leurs corps montent et redescendent. Présenter ces considérations tôt garantit à l’équipe de pouvoir s’appuyer sur une base solide.
5. Optimiser le timing pour l’impact narratif
Un timing efficace contrôle le rythme et transmet l’énergie ou l’émotion appropriée dans une scène. De la même façon, vous devez ajuster le timing dans le suivi et les superpositions afin d’améliorer la narration.
Dans une scène de suspense où un personnage entre discrètement dans une pièce faiblement éclairée, le timing du suivi dans des actions comme une porte qui oscille devient crucial. En prolongeant l’animation du mouvement de la porte, les animateurs peuvent créer de l’anticipation et instaurer une atmosphère de tension. Lorsque la porte s’arrête lentement, avec un grincement prolongé, le spectateur perçoit l’entrée prudente du personnage, ce qui renforce le suspense lié à l’ouverture de la porte.
6. Mettre en œuvre des solutions de rigging avancées
Un rig est la structure squelettique ou le système de contrôle à l’intérieur d’un modèle numérique de personnage que les animateurs utilisent pour créer du mouvement. Il agit comme un intermédiaire entre l’animateur et le modèle 3D, permettant de manipuler le modèle avec plus de facilité et de précision.
Un rig robuste peut réduire considérablement la charge de travail et la complexité de l’animation des suivis expressifs et des actions superposées ; vous devriez donc concevoir et utiliser des rigs en conséquence.
Sans un rig bien construit, les animateurs peuvent se retrouver ralentis par les détails fastidieux consistant à ajuster manuellement chaque composant du mouvement d’un personnage. Cela entraîne une utilisation inefficace du temps et des incohérences possibles dans l’animation.
Par exemple, créez un rig personnalisé avec des contrôles d’inverse cinématique dynamique (IK) et d’avant-cinématique (FK) pour gérer le mouvement fluide de la queue d’un personnage sans ajustements manuels constants :
- Définir la structure - Commencez par identifier les parties principales de la queue du personnage qui auront besoin de mouvement et de flexibilité : souvent, décomposez-les en plusieurs segments ou « os » dans votre logiciel 3D. Chaque segment doit pouvoir bouger indépendamment tout en restant connecté pour former un ensemble cohérent.
- Configurer les contrôles IK - Implémentez l’inverse cinématique (IK) pour la queue afin de permettre aux animateurs de déplacer l’extrémité de la queue, tout en faisant suivre le reste des segments en conséquence. C’est utile pour positionner rapidement la queue, en particulier lorsqu’elle interagit avec d’autres objets ou qu’elle doit maintenir le contact avec une surface.
- Configurer les contrôles FK - En parallèle avec l’IK, établissez des contrôles d’avant-cinématique (FK) qui donnent aux animateurs la possibilité de faire pivoter indépendamment chaque segment de la queue. Cela est essentiel pour affiner les trajectoires et ajouter des mouvements naturels et fluides.
- Créer un système de bascule - Permettez une transition fluide entre les contrôles IK et FK en intégrant une bascule IK/FK dans le rig. Cette bascule permet aux animateurs de passer d’un système à l’autre selon ce qui est nécessaire pour une action donnée, en combinant les points forts des deux techniques pour une animation de queue optimale.
- Ajouter des fonctionnalités dynamiques - Améliorez le rig avec des systèmes de dynamiques ou de contrôle du mouvement secondaire capables de simuler une physique naturelle et d’ajouter une couche de réalisme supplémentaire au mouvement de la queue, comme des fonctionnalités d’auto-balancement ou de rebond qui réagissent aux mouvements principaux du personnage.
Conclusion
Ajouter du suivi et des actions superposées peut être complexe, mais le résultat en vaut la peine ! Assurez-vous de suivre les meilleures pratiques pour faciliter votre travail :
- Tenir compte du poids et de l’élan
- Utiliser des couches
- Planifier les actions secondaires
- Utiliser des images de référence
- Exploiter le timing pour l’impact émotionnel
- Les rigs avancés
L’animation ne concerne pas seulement l’histoire : il s’agit aussi de la raconter avec des détails subtils. C’est là toute la différence entre une animation ennuyeuse et une grande animation. Le suivi et les actions superposées sont essentiels à cet égard, alors ne les négligez pas !
