Introduction
On peut tous se rappeler d’une scène où un personnage est interrompu en plein mouvement par une pause maladroite — juste assez pour déclencher un sourire : ce timing comique est un parfait exemple de l’importance du timing en animation pour la narration.
Le timing ne consiste pas seulement à faire une séquence correctement : c’est un outil pour créer des animations plus captivantes, et tous les animateurs doivent le maîtriser.
Dans cet article, nous explorons ce qu’est le timing — l’un des 12 principes de l’animation — et comment il est affiné pendant le processus de production pour produire des animations plus percutantes.
Qu’est-ce que le timing
Le timing correspond au nombre d’images (frames) ou à la durée entre deux poses ou actions clés : il détermine à la fois la vitesse et la fluidité du mouvement dans une animation.
Le timing ne doit pas être confondu avec le frame rate — le nombre d’images par seconde — ni avec l’espacement — la distance entre deux images ou poses.
Un simple changement de timing a un effet notable sur l’animation.
Pourquoi le timing est important
Tout d’abord, le timing est essentiel pour le réalisme : dans le monde réel, différents objets et personnages bougent à des vitesses différentes en raison de leur taille, de leur poids et des forces qui s’exercent sur eux. Un objet lourd met plus de temps à commencer ou à s’arrêter. Les animateurs créent des animations plus crédibles en reproduisant ces facteurs grâce à un timing précis.
Comme mentionné dans l’introduction, le timing est aussi un outil puissant pour la narration : en manipulant la vitesse des mouvements et la durée des pauses, les animateurs mettent en avant certains moments et donnent de la profondeur aux actions et aux réactions des personnages. Ralentir une scène souligne un moment dramatique afin de permettre au public d’absorber l’importance de ce qui se passe. Accélérer une séquence injecte de l’excitation et de l’urgence pour propulser l’histoire vers l’avant avec énergie.
Un bon timing est une condition préalable à un bon rythme, qui est crucial pour maintenir l’attention du public. Le rythme d’une animation, dicté par la rapidité ou la lenteur des mouvements des objets, garde les spectateurs concentrés. Par exemple, une séquence d’action au timing rapide capte l’attention et transmet une sensation palpitante de vitesse. Mais dans une scène introspective, un timing plus lent invite les spectateurs à réfléchir et à se connecter émotionnellement avec les personnages.
Les animateurs disposent de plusieurs outils pour améliorer le timing d’une scène.
1. Utiliser des références vidéo
Le timing utilise des références vidéo comme guide pratique pour les animateurs.
L’analyse des références vidéo donne aux animateurs une compréhension des keyframes — les poses principales qui définissent l’action d’une séquence — ainsi que des transitions.
Vous pouvez aussi utiliser des références vidéo pour mesurer précisément le timing entre les keyframes. Ces valeurs de temps sont fondamentales pendant le processus d’animation.
Les écarts ou les transitions maladroites entre les poses peuvent perturber les séquences, mais les références vidéo permettent d’identifier les éventuels problèmes de posing avant la production.
2. Graphiques de temps
Un graphique de temps (time chart) est un diagramme ou une série d’annotations qui indiquent comment les images sont réparties dans le temps : une représentation visuelle du timing pour une scène donnée.
Les graphiques de temps se trouvent souvent dans les marges des exposure sheets (X-sheets) ou dans le cadre d’un storyboard.
Un graphique de temps aide à maintenir un timing cohérent sur toute une séquence et permet aux animateurs de planifier le nombre d’images nécessaires pour une action donnée. C’est un outil de communication qui aide plusieurs animateurs à comprendre comment leurs segments respectifs s’intègrent dans l’ensemble de la séquence.
- Tracé des keyframes - Les animateurs commencent par déterminer les keyframes, puis les reportent sur le graphique de temps à intervalles précis.
- In-betweening - Le graphique de temps montre le nombre d’in-betweens nécessaires pour passer d’une keyframe à la suivante. Ces in-betweens déterminent à quel point le mouvement paraît fluide ou rapide.
- Ajustement du timing - En ajustant l’espacement entre les images sur le graphique de temps, les animateurs peuvent affiner le timing de l’action. Augmenter l’espacement accélère une action.
- Ease in et ease out - Les graphiques de temps peuvent aussi indiquer des animations d’assouplissement (easing), où les actions démarrent lentement (slow in) ou se terminent lentement (slow out), pour donner un mouvement plus naturel à l’animation.
- Revue et perfectionnement - Les animateurs consultent fréquemment le graphique de temps pendant les revues pour s’assurer que le timing reste cohérent tout au long du processus de production itératif.
3. Exposure sheets
Une exposure sheet (X-sheet) est un document vertical divisé en lignes et en colonnes : chaque ligne représente une image, et les colonnes représentent différents aspects de l’animation tels que le dialogue, la musique, les effets sonores, les descriptions et diverses annotations.
Les animateurs utilisent des notations et des symboles pour représenter le timing de différentes actions, y compris les keyframes, les in-betweens, les maintiens (holds) et d’autres repères de timing.
Comme les graphiques de temps, une exposure sheet fournit une référence claire pour chaque animateur travaillant sur un projet afin de maintenir la cohérence lors de la planification de scènes complexes.
4. Onion skinning
Onion skinning est une fonctionnalité dans les logiciels d’animation qui permet aux animateurs de voir plusieurs images simultanément de manière semi-transparente, comme des couches d’oignon, d’où le nom.
Le onion skinning est essentiel pour comprendre clairement la dynamique du mouvement et le timing : les animateurs peuvent évaluer visuellement l’espacement entre les images afin d’ajuster le timing des mouvements et des transitions. Il permet aussi de repérer facilement les écarts dans les trajectoires ou des sauts involontaires dans les séquences, pour corriger tôt.
Pour les séquences complexes comportant plusieurs éléments en mouvement, le onion skinning offre une vue claire de la façon dont les différentes composantes interagissent au fil du temps.
5. Motion trails
Les motion trails représentent le parcours d’un objet dans l’espace au cours du temps, souvent illustré par une série de lignes superposées qui montrent les positions passées et futures de l’objet :
Les motion trails rendent parfois la tâche plus facile que le onion skinning pour voir la répartition des keyframes et des in-betweens : les animateurs peuvent évaluer si l’espacement entre les images produit le timing souhaité, qu’ils veulent un mouvement rapide et “nerveux” (avec des images plus rapprochées) ou un mouvement lent et traînant (avec des images plus espacées).
Elles montrent aussi la trajectoire du mouvement. Les arcs sont un principe fondamental de l’animation qui contribue à la fluidité.
Utilisation avec les autres principes d’animation
Comme le timing fait partie intégrante de l’animation, il est souvent indissociable des autres principes :
- Slow in/out - Le timing détermine comment un objet accélère et décélère, ce qui donne du poids et du réalisme. Dans le cas d’une balle qui rebondit, un timing incorrect ne restitue pas le ressenti organique de l’effet de la gravité.
- Follow through - Si un personnage s’arrête brusquement après avoir couru, ses vêtements et ses cheveux continueraient à bouger légèrement vers l’avant pendant quelques images à cause de l’inertie avant de se stabiliser : si le timing est trop rapide, cela paraît “sec” et irréaliste ; s’il est trop lent, on perd la sensation d’énergie et de quantité de mouvement.
- Overlapping action - Le timing aide à distinguer les mouvements qui se chevauchent entre les différentes parties d’un personnage ou d’un objet. Si votre personnage fait un signe de la main en marchant, vous aurez besoin d’un timing différent entre le bras et les jambes pour rendre la séquence plus vivante.
- Anticipation - Le timing est crucial pour construire l’anticipation. Si un personnage est sur le point de sauter, l’anticipation consiste à lui faire plier les genoux et ramener les bras en arrière. Si le timing est trop court, le saut semble soudain et non préparé ; s’il est trop long, il peut casser le flux et faire perdre l’attention du spectateur.
Si l’animation est une série de poses, le timing entre ces poses est toujours quelque chose à prendre en compte.
Conclusion
Le timing est un principe fondamental que les animateurs doivent maîtriser. Pour cela, ils peuvent s’appuyer sur des outils comme des références vidéo, des graphiques de temps, des exposure sheets et le onion skinning.
Un bon timing est aussi un pilier des autres principes d’animation comme le slow in et slow out, le follow through, l’overlapping action et l’anticipation : vous devez comprendre chaque principe individuellement, mais aussi tenir compte de la façon dont ils se répondent.
Veillez à ne pas sous-estimer son impact dans votre prochaine production !
