Arrivez-vous encore à identifier qui c’est ?
Ce “magicien” vient de la puissance des formes. Les personnages les plus emblématiques naissent tous de simples contours et sont reconnaissables instantanément, même dans leur forme la plus simple.
Cette idée, connue sous le nom de langage des formes, n’est pas seulement un choix artistique, mais un outil pour tisser des histoires.
Dans cet article, nous examinons différentes formes de base et la manière de les utiliser pour raconter une histoire, avec des exemples tirés de célèbres animations. À la fin, vous aurez une idée générale de ce qu’il faut chercher dans votre prochain character design et peut-être quelques références utiles pour en apprendre davantage sur le langage des formes !
Qu’est-ce que le langage des formes ?
Le langage des formes s’appuie sur les associations psychologiques et émotionnelles que nous faisons avec différentes formes. C’est l’art d’utiliser des formes géométriques familières pour traduire l’essence d’un personnage, sa personnalité et son rôle dans un récit.
Prenons, par exemple, le travail de Genndy Tartakovsky, le génie créatif à l’origine de Dexter’s Laboratory et Samurai Jack. Tartakovsky utilise avec maîtrise des géométries simples pour transmettre des traits de caractère : le design élégant et anguleux de Samurai Jack exprime sa droiture et sa détermination, tandis que la forme “en boîte” de Dexter met en avant son côté carré, ordonné et méthodique. Cette utilisation brillante du langage des formes rend ses personnages à la fois immédiatement reconnaissables et profondément marquants.
Pourquoi le langage des formes ?
Le langage des formes est aussi crucial pour la conception des personnages que la couleur.
D’abord, il raconte une histoire. Tout comme les mots forment des phrases, les formes construisent des récits que le public peut suivre visuellement. Po dans Kung Fu Panda a des formes rondes pour nous dire qu’il est chaleureux et amical.
Il révèle la personnalité. Les designers peuvent suggérer des subtilités de traits de caractère. On peut déterminer instinctivement qui est le méchant et qui est le héros. Dans Le Roi Lion, Scar est dessiné avec des arêtes anguleuses, acérées et des traits étroits pour communiquer sa nature de vilain, tandis que les grandes formes rondes et robustes de Mufasa soulignent sa force et sa bienveillance.
Comme mentionné précédemment, il contribue à une bonne conception de personnage grâce à des personnages visuellement cohérents et expressifs. Dans Incredibles de Pixar, la forme de chaque membre de la famille reflète son superpouvoir : l’ossature massive et “bloc” de Monsieur Indestructible suggère sa force, et le design fin et allongé d’Elastigirl met en avant sa flexibilité et son agilité.
Voyons maintenant des formes courantes pour comprendre comment les animateurs s’en servent.
La ligne
Une forme de personnage filiforme, ou en forme de fil, dénote souvent une faiblesse, une élégance ou une valeur comique. Prenons Luffy dans One Piece, par exemple. Sa forme allongée suggère une nature insouciante et flexible, parfaitement alignée avec son esprit d’aventurier.
Les lignes dans les formes de personnages sont également essentielles pour transmettre des tonalités émotionnelles et des caractéristiques physiques.
En termes de direction des lignes, une ligne horizontale suggère le calme et la stabilité, afin de représenter des personnages ou des décors paisibles et ancrés. Totoro dans Mon voisin Totoro a une orientation ronde et horizontale pour donner une sensation de calme et de stabilité, tout en symbolisant la nature paisible de l’esprit de la forêt.
À l’inverse, les lignes verticales expriment la puissance, la croissance ou l’ambition, ce qui convient aux personnages qui incarnent la force ou une trajectoire ascendante. La haute stature verticale de Superman, ainsi que sa posture emblématique de vol droit, communiquent sa force et sa moralité.
Les lignes diagonales, chargées de dynamisme et d’agitation, indiquent le changement et le développement, ajoutant de la tension et de l’excitation à une scène. Pensez à Spider-Man qui se balance à travers le paysage urbain. Les lignes diagonales formées par son corps lorsqu’il se déplace dans l’air reflètent sa capacité constante d’évolution pour s’adapter aux défis auxquels il fait face.
Le cercle
Le cercle est fréquemment utilisé pour donner aux personnages une ambiance sympathique et accessible. Ses bords arrondis impliquent la sécurité, la douceur et une nature accueillante ; ainsi, les personnages ayant des traits circulaires semblent souvent amicaux et ouverts de cœur.
Les cercles symbolisent aussi l’unité et l’intégralité, et ils sont modulables, permettant une palette d’émotions allant de la joie à la surprise.
Baymax dans Big Hero 6 a un design circulaire qui communique immédiatement son rôle de robot de soins bienveillant et protecteur. Sa forme ronde souligne son absence de danger, et sa qualité douce et “élastique” le rend infiniment câlin et attachant pour le public. Lorsque Baymax est “armé” pour lutter contre le crime, le contraste avec la forme ajoute de la profondeur au personnage et renverse les attentes du public quant au spectacle.
Le carré
Les carrés et les rectangles sont synonymes de stabilité, de solidité et de fiabilité. Ces formes représentent des personnages aux caractéristiques solides, fiables et soutenantes, mais elles peuvent aussi suggérer de la rigidité ou une approche trop “lourde” dans la main.
Prenons Sulley dans Monsters, Inc. Sa stature large et rectangulaire souligne sa robustesse et sa fiabilité en tant que principal effrayeur de Monstropolis. Pourtant, malgré son gabarit impressionnant, son arc narratif révèle une douceur, équilibrant sa présence physique avec une profondeur émotionnelle.
Le triangle
Les triangles apportent une sensation de dynamisme au design des personnages : grâce à leurs angles vifs et à leurs pointes orientées, ils peuvent signifier un danger, une imprévisibilité et un mouvement. Leur acuité suggère aussi un tranchant ou une forme de ruse, ce qui les rend idéaux pour des personnages qui évoquent la prudence ou l’intrigue.
Dans Le Roi Lion, le design triangulaire de Scar contraste avec le design quadrillé de Mufasa. Ses traits anguleux soulignent sa nature menaçante et calculatrice, renforçant son rôle de méchant dans un langage visuel qui en dit long avant même qu’il ne prononce un mot.
Les spirales
Les spirales sont des formes fascinantes souvent utilisées pour symboliser des cycles de vie, de créativité et de croissance. Elles offrent un flux dynamique, imitant des motifs naturels présents aussi bien dans les galaxies que dans les coquillages ou les systèmes orageux.
La spirale est explorée artistiquement dans des œuvres comme Uzumaki de Junji Ito, où elle symbolise le chaos et une force de la nature incontrôlable. Le symbole de la famille Uzumaki dans Naruto représente les cycles continus de la vie et de l’évolution personnelle.
Les spirales sont particulièrement courantes dans les designs des yeux. Dans One Piece, les sourcils de Sanji sont en forme de spirale.
L’animation japonaise s’appuie souvent sur des motifs d’yeux en spirale pour symboliser des volontés fortes ou des présences qui commandent, tandis que les cartoons occidentaux ne les utilisent que pour suggérer l’inconscience ou la confusion.
L’harmonie des formes
Bien que chaque forme ait des significations distinctes, mélanger les formes permet de créer des designs de personnages complexes qui reflètent harmonieusement des personnalités multiples. Les personnages ne sont que rarement de simples carrés ou de simples cercles. Le génie dans Aladdin de Disney a le bas du corps enroulé, comme de la fumée, pour souligner sa nature magique et fluide, tandis que son haut du corps musclé traduit sa force et sa confiance.
Différents personnages peuvent aussi avoir des formes similaires ou contrastées pour indiquer leurs relations. Dans une équipe de personnages comme les Powerpuff Girls, chaque personnage incarne des formes uniques qui correspondent à sa personnalité, mais ils ont ensemble l’apparence d’une unité cohérente.
La même logique s’applique à l’harmonie entre les formes des personnages et les designs de décors. Le légendaire animateur Paul Grimault utilise des éléments verticaux pour susciter l’émerveillement et la hauteur, comme on le voit dans les structures imposantes de Le Roi et le Mockingbird, afin de créer un contraste avec les personnages et d’obtenir une sensation surréaliste.
Briser les règles
Bien que la symbolique traditionnelle ait un pouvoir considérable, il existe une attirance indéniable à briser les règles pour surprendre et intriguer les spectateurs. En renversant les attentes, les animateurs ajoutent des couches de complexité pour rendre les personnages plus mémorables.
Le corps carré de Spongebob Squarepants suggère de façon humoristique une certaine rigidité et une détermination, en contraste avec sa personnalité insouciante et joyeuse.
Mais avant de pouvoir briser efficacement les règles, vous devez comprendre en profondeur la symbolique traditionnelle et les principes de design. Connaître les normes permet une rupture réfléchie, qui semble délibérée et marquante plutôt que “accidentelle”. C’est un outil puissant pour encourager le public à modifier ses suppositions.
Bien que le fait de renverser les attentes puisse ajouter de l’intrigue, il est essentiel de maintenir l’harmonie dans votre composition. Vous pouvez, par exemple, casser la forme conventionnelle tout en utilisant le nombre d’or pour garantir l’attrait visuel.
Conclusion
Le langage des formes est un élément essentiel du design des personnages ; alors, assurez-vous de penser en termes de formes dès vos croquis initiaux ! Nous avons abordé les formes de base, mais il en existe bien d’autres que vous pouvez utiliser pour différents effets.
C’est un outil visuel puissant qui, lorsqu’il est combiné avec un design de couleurs réfléchi et la prise en compte de la personnalité des personnages ainsi que de l’histoire dans laquelle ils évoluent, contribue à créer des personnages inoubliables. Tout comme les formes guident la structure, les couleurs ajoutent de la profondeur et de l’émotion, pour un rendu harmonieux.
Si vous souhaitez une référence finale, Les Shadoks est un excellent exemple de dépassement des limites du langage des formes. La série utilise des formes simples et géométriques pour créer ses designs uniques de personnages et de monde, mettant principalement en avant des ovales, des triangles et des rectangles. Cette approche minimaliste impose que chaque forme communique au-delà de sa structure de base, ce qui rend chaque personnage instantanément reconnaissable et profondément évocateur sur le plan émotionnel grâce à des silhouettes exagérées et abstraites. Les lignes et formes tranchantes, souvent absurdes, capturent l’essence du monde fantaisiste et dénué de logique des personnages, prouvant que la complexité — y compris au niveau des couleurs — n’est pas nécessaire pour obtenir une narration riche.
