Si vous avez lu notre article précédent, vous savez que nous avions des doutes au sujet de notre choix de studio d’animation. Au final, une visite au studio visit s’est avérée être le clou final. Le studio était sous-équipé, n’avait aucun personnel disponible immédiatement et le budget convenu ne leur aurait pas permis de gérer la production compte tenu de leur manque de ressources.
Trouver un nouveau prestataire
Nous devions trouver un nouveau prestataire. Pour nous, il y avait trois facteurs importants à prendre en compte lorsque nous cherchions un nouveau studio d’animation :
- Le nouveau studio d’animation devait être situé dans la même zone que le programme, qui avait été financé de manière significative par le CNC et la région Île-de-France.
- Le temps était crucial. Comme les diffuseurs et un fabricant de jouets étaient déjà engagés, repousser la date limite n’était pas une option.
- Il était trop tard dans le calendrier pour obtenir un nouveau financement ; notre budget devait donc rester fixe.
L’avantage d’avoir rencontré des problèmes dès la première fois nous a donné l’opportunité d’affiner notre brief et d’adapter la façon dont nous communiquons avec les studios. Nous disposions déjà de beaucoup de scripts, ce qui nous permettait de jouer sur les économies d’échelle, et tout obstacle potentiel avait déjà été signalé.
Travailler avec un budget fixe et un calendrier serré
Nous avons finalement réussi à trouver un studio pour réaliser la production dans le délai et dans le budget. Mais comme le temps était compté, nous devions réduire au maximum la marge d’erreur. Dès le départ, nous nous sommes assurés que le studio travaille en étroite collaboration avec le réalisateur du programme et son premier assistant pour lancer le projet du bon pied.
Nous avons tiré parti de tout ce qui était à notre disposition : synopsis, outlines, scripts WIP.
Beaucoup de travail a été nécessaire pour convaincre nos partenaires que ce changement de dernière minute était une amélioration. Leur montrer que nous avions un plan de bataille bien préparé a aidé, mais la réputation du studio d’animation a vraiment fait la différence.
Organisation et partage des tâches
Pour que le projet se déroule aussi harmonieusement que possible, nous avons travaillé dur pour compiler un maximum d’informations pour le studio et trouver des méthodes de travail permettant de gagner du temps et de l’argent de part et d’autre. Voici ce qui a fonctionné le mieux.
- Nous avons pris de l’avance avec le modélisme des personnages. Lancer des tests d’animation en amont nous a permis de comprendre les limites et les contraintes techniques de ce que nous voulions réaliser. Cela incluait l’étirement des textures sur les personnages pendant l’animation, ainsi que les limitations de mouvement. À partir de là, nous avons pu fournir une liste de « choses à faire et à ne pas faire » au studio d’animation, du storyboard jusqu’à l’animation.
- Le travail préparatoire sur les décors a été un gain de temps énorme. Nous avons constitué une banque de terrains et de décors de fond qui pouvaient être assemblés de façon interchangeable pour créer de nombreux décors différents, ce qui permettait d’économiser du temps plus tard.
- Nous nous sommes assurés que les storyboards détaillent le placement correct des personnages dans l’espace et leur ratio de taille afin de minimiser les problèmes de mise en page.
- Nous travaillons aussi avec un éditeur expérimenté pour affiner vraiment l’animatic et nous assurer que le timing est serré. Par conséquent, nous avons réussi à éviter toute animation ou rendu de frames inutile.
- Nous avons accordé une attention particulière au pack de design. L’idée était de le rendre aussi complet et détaillé que possible. Pour chaque personnage, nous avons dessiné neuf poses différentes, diverses expressions et regards, ainsi que des feuilles de détails, tels que les accessoires, l’intérieur de la bouche, sous les pieds, etc.
- Chaque décor était lié au panneau du storyboard avec des accessoires qui avaient été systématiquement dessinés à partir des angles détaillés dans le storyboard, afin de ne laisser aucune place à l’interprétation.
- Tous les FX ont été fournis avec leurs poses clés d’animation.
- Nous avons travaillé en étroite collaboration avec le studio d’animation pour créer un modèle de storyboard pour l’ensemble de la série, afin que, sur le plan artistique comme technique, cela puisse fonctionner pour tout le monde.
Les résultats
Au final, l’ensemble des parties prenantes était satisfait. Le budget et le calendrier ont été respectés et les diffuseurs ont vraiment apprécié la qualité de la série. Le réalisateur était épuisé, mais heureux du travail accompli.
À retenir
Pour faciliter la communication et réduire au maximum les risques d’erreur, n’ayez pas peur d’entrer dans les détails de tout. Vous devez être aussi clair que possible sur ce que vous voulez, même si cela change au cours du cycle de production. Vous devez réaliser vos propres tests en amont pour vous assurer que les modèles fonctionneront avec l’animation, et travailler avec un superviseur pour encadrer les personnages dès le début.
Une fois que vous avez choisi votre prestataire, fournissez-lui la documentation la plus complète possible. Moins il y a de place pour l’interprétation, plus le workflow sera efficace. N’oubliez jamais qu’un studio ne fera jamais mieux que ce qui lui a été envoyé. Nous recevons toujours la qualité que nous transmettons.
Nous avons dédié ce blog à la Production Management de CG et à la CG Pipeline. De plus, nous proposons un canal Discord où vous pouvez discuter de vos problèmes/solutions et apprendre des autres. Nous sommes déjà 270 à partager des conseils et des idées. Rejoignez-nous : TDs et Production Managers du monde entier seront ravis de vous accueillir !
