(2026) Storyboarding dans l’animation : définition, processus & défis

Un projet d’animation demande des mois de travail pour être produit et nécessite donc une planification minutieuse afin d’aboutir à un résultat réussi : le storyboarding est la première étape pour donner vie à un script grâce à des représentations visuelles qui influenceront le reste de la production.

Avec Kitsu, nous, chez CGWire, avons pu constater de première main à quel point le storyboarding est important pour aider les studios d’animation à faire émerger des visions créatives dans des environnements collaboratifs et internationaux.

Dans cet article, nous vous proposons une plongée dans le processus de storyboarding―son objectif dans le pipeline d’animation, ses techniques, ses bonnes pratiques et ses étapes. Que vous soyez un animateur chevronné, un créateur d’histoires en devenir, ou que vous souhaitiez simplement jeter un œil aux coulisses, vous y trouverez de quoi affiner vos compétences en storyboarding. Bienvenue à bord !

Qu’est-ce que le storyboarding

Le storyboarding est le processus de création d’une séquence d’images qui représente visuellement l’histoire, scène par scène, à partir d’un pack de design contenant le script, les pré-designs, et un découpage de tous les éléments de chaque épisode avant le début de la production proprement dite.

Bien qu’il n’existe pas de format standard à suivre, les storyboards incluent généralement des cases, des angles de caméra et parfois des dialogues ainsi que des annotations. Le résultat n’est pas sans rappeler une bande dessinée : un dessin préparatoire avec suffisamment de détails pour guider le travail à venir. Par exemple, voici un storyboard pour Kung Fu Panda :

Ou un autre, avec des annotations plus détaillées, pour Adventure Time :

Pourquoi le storyboarding

Un storyboard montre la progression d’une histoire, permettant aux créateurs de la visualiser plan par plan avant que le moindre travail d’animation ne commence : façonner le flux narratif, établir les scènes clés et évaluer la composition ainsi que le rythme de chaque plan.

Parce que le storyboarding permet d’identifier les problèmes potentiels en amont, il permet de gagner un temps et des ressources précieux pendant les phases de pré-production et de production. Il fournit également une feuille de route claire pour l’équipe d’animation à suivre, en servant de référence visuelle qui guide les animateurs et garantit des designs cohérents.

Le storyboard est le point de départ des efforts de collaboration de l’équipe d’animation. En posant dès le début le langage visuel et l’esthétique souhaitée, les storyboards agissent comme un point de repère pour maintenir la direction artistique envisagée. Ils permettent aussi à l’équipe d’aligner ses efforts et de produire une animation cohérente et agréable à regarder, en phase avec les objectifs et la vision du projet.

Qui fait du storyboarding

Le storyboarding est un travail d’équipe.

Pendant la pré-production, le/la réalisateur·trice supervise la vision créative du projet et guide le processus de storyboard. Il/elle travaille en étroite collaboration avec les artistes storyboarders pour s’assurer que l’histoire et les visuels correspondent à sa vision. Les artistes storyboarders ont pour responsabilité de traduire le script produit par les scénaristes en cases. Un directeur artistique peut être impliqué afin de créer une esthétique unique pour l’animation.

Durant les étapes ultérieures de la pré-production et de la production, les animateurs utilisent les storyboards comme référence pour donner vie aux personnages et aux scènes grâce au mouvement. Ils s’appuient sur la composition du storyboard et les poses clés pour guider leur travail d’animation. Les artistes layout créent des layouts détaillés qui déterminent l’emplacement des personnages, des accessoires et des décors au sein de chaque scène. Ils établissent les relations spatiales et les réglages caméra à partir des compositions du storyboard.

En plus, divers membres de l’équipe de production, comme les producteurs, les coordinateurs et les superviseurs, sont également généralement impliqués dans le processus de storyboard afin d’apporter un soutien, de gérer les plannings et de s’assurer que le projet avance sans accroc. Le conseil du superviseur veille à ce que chaque artiste storyboard adopte le même style artistique, afin de garantir la cohérence.

Le processus de storyboarding

Un(e) artiste storyboarder ne démarre pas de zéro. Les premières étapes de la pré-production apportent des éléments précieux :

1. Scénarisation - Le script décrit l’histoire, les personnages et les points clés de l’intrigue d’un épisode ou d’un film. Il est validé par les différents co-producteurs, afin de s’assurer que le texte respecte les contraintes de production pour rester dans les délais et le budget.
2. Découpage du script - Un découpage est une liste de tous les éléments présents dans un épisode― personnages, décors, accessoires.
3. Pré-designs - Les artistes dessinent tous les éléments nécessaires pour chaque épisode.
4. Voix & pack de design - L’assistant(e) de production rassemble tous les éléments d’un épisode (script, éléments des voix, designs), ainsi que le brief du/de la réalisateur·trice et du/de la storyboard lead, comprenant un aperçu de l’histoire et des annotations qui donnent une vision d’ensemble, à haut niveau, de la structure narrative et des événements principaux, le tout dans un seul pack.

Le storyboarding transforme ensuite le pack de design en storyboard :

1. Esquisses « thumbnail » - Les esquisses « thumbnail » sont des dessins rapides et de petite taille qui capturent les moments clés et les compositions de chaque scène. Ils servent d’exploration visuelle rapide et aident à planifier le storyboard d’un scénario.
2. Découpage des plans - À partir du script et des esquisses « thumbnail », les plans sont découpés scène par scène, en déterminant les angles de caméra, les positions des personnages et les éléments visuels importants pour chaque plan.
3. Création des cases - Chaque case du storyboard représente un plan ou un moment précis de l’histoire et inclut les personnages, les décors, les dialogues et des notes d’action.
4. Animatic - Un animatic est une vidéo des cases du storyboard d’une scène donnée, synchronisée avec un son et une musique temporaires. Il donne au(x)/à la réalisateur·trice et à l’équipe une idée du rythme et du timing de l’histoire, et peut aider à identifier les problèmes à traiter avant de passer à la phase d’animation. Il s’agit parfois du travail de l’artiste storyboarder, mais les monteurs de storyboard sont traditionnellement responsables de la création des animatics.

À ce stade, le storyboard est validé en examinant chaque case ainsi que les notes d’action et les dialogues correspondants. Il est ensuite utilisé tout au long du reste de la production. L’assistant(e) de production liste tous les nouveaux éléments issus du storyboard qui n’ont pas encore été créés et le/la transmet aux modélisateurs 3D et aux animateurs. Pendant la production, le storyboard guide la façon dont les éléments sont modélisés, assemblés et animés. Et pendant la post-production, il peut aussi servir de référence pour le montage et le mixage audio.

Le processus de storyboarding est itératif et implique collaboration, retours et boucles de validation entre les différentes parties prenantes.

Bonnes pratiques du storyboarding

Que vous ayez manqué une scène ou qu’il ait manqué des détails dans une case, une erreur pendant le processus de storyboarding entraînera des retards de production significatifs. Vous pouvez appliquer les bonnes pratiques suivantes pour créer de meilleurs storyboards tout en augmentant la vitesse de traitement :

1. Conserver la cohérence visuelle - Assurez-vous de vous appuyer sur le pack de design afin de conserver un style cohérent et de faciliter la collaboration.
2. Donner le rythme - Tenez compte du rythme de chaque scène pour créer un flux captivant, en utilisant les cases et les notes pour indiquer la durée souhaitée et le rythme de vos séquences.
3. Garder les choses simples - Capturer l’essentiel de chaque scène sans aller trop loin dans les détails. Les storyboards servent de guide visuel clair et facile à lire : évitez les détails excessifs qui pourraient ralentir le processus.
4. Montrer, ne pas raconter - Même si les notes d’action ne doivent pas être négligées, n’oubliez pas de tirer parti de la narration visuelle. L’artiste storyboarder doit avoir une compréhension claire de l’histoire, des personnages et du décor avant de commencer le storyboarding, afin que ces éléments puissent être intégrés efficacement dans les scènes grâce à des mouvements subtils de caméra ou de personnages.
5. Se concentrer sur le mouvement - L’animation repose entièrement sur le mouvement : veillez donc à mettre en avant le mouvement des personnages, les mouvements de caméra et les émotions dans le storyboard. Visez une diversité de plans, y compris des plans larges, des gros plans et des angles dynamiques, afin d’améliorer la narration.
6. Inclure des références visuelles - Utilisez des supports de référence comme des images, de l’audio ou des vidéos, pour capturer le rendu et l’atmosphère de la scène avec précision.
7. Ne pas trop « cut » les plans - Plus vous ajoutez de frames, plus le rythme semble rapide. À l’inverse, moins de frames donnent une sensation de lenteur. Veillez à prendre conscience de ce que la scène doit « ressentir » et coupez les plans en conséquence.
8. Exploiter les poses clés d’animation - Une pose clé d’animation est une frame capturant des mouvements essentiels dans une séquence, aidant les animateurs à déterminer les différents éléments à animer avec des frames et des timings distincts.

Comme le storyboarding est une tâche collaborative, il est également important d’utiliser les bons outils numériques pour rationaliser le processus et faciliter les révisions. Un outil comme Kitsu permet de gagner un temps précieux en fournissant un espace centralisé pour stocker tous vos éléments de storyboard :

1. Impliquer tout le monde - Faites participer les parties prenantes concernées―par exemple les réalisateurs, les animateurs et les directeurs/trices artistiques―au processus de revue : sollicitez leurs retours pour vous assurer que les storyboards correspondent à la vision globale et traitent, dès le début, les éventuels problèmes ou défis.
2. Tout noter - Incluez toujours des annotations claires, les mouvements de caméra et des notes d’action aux côtés des dessins. Ces annotations apportent un contexte supplémentaire et des instructions techniques pour les équipes d’animation.
3. Enregistrer et garder l’organisation - Conservez une structure de fichiers bien organisée pour vos storyboards, afin de garantir un accès facile et un contrôle des versions. Nommez et catégorisez les cases, scènes ou séquences pour retrouver rapidement des sections spécifiques, ce qui facilite la gestion et la mise à jour du storyboard.

Conclusion

Le storyboarding est un pilier de la production d’animation : il fournit une feuille de route visuelle qui donne vie aux histoires et facilite la collaboration au sein des équipes en identifiant les problèmes potentiels et en garantissant la cohérence avec la vision créative. Il n’est pas rare que les storyboards soient considérés comme des œuvres d’art uniques, revendues pour des centaines de milliers de dollars : alors veillez à prendre soin de vos storyboards !

Au moment où vous vous lancez dans votre aventure d’animation, exploiter la puissance de Kitsu de CGWire améliore votre processus de storyboarding. Grâce aux fonctionnalités robustes de Kitsu pour la gestion des assets, la collaboration et la relecture, vous pouvez gérer facilement vos éléments de storyboard tout au long du pipeline d’animation. De l’organisation des versions à la facilitation de la collaboration en temps réel entre les membres de l’équipe, Kitsu vous aide à concrétiser votre vision tout en conservant efficacité et maîtrise créative. Inscrivez-vous à Kitsu dès aujourd’hui et constatez l’impact sur vos projets d’animation !