Si vous animez une balle qui rebondit, il est tentant de dessiner un cercle sur la première image, puis de conserver cette même forme image après image, à mesure qu’elle monte et redescend.
Pour appliquer le principe du dessin solide, vous devez réfléchir à la façon dont la balle change de forme au cours de son mouvement : au moment de l’impact, la balle s’écrase légèrement pour montrer le poids et la collision, puis s’allonge au rebond. Pendant qu’elle s’approche ou s’éloigne du spectateur, l’animateur ajuste légèrement sa forme pour suggérer la distance : les bords s’affinent vers l’intérieur lorsqu’elle est plus éloignée.
Mais les balles qui rebondissent ne sont pas les seules à nécessiter ce type de réflexion : vous devez aussi vous appuyer sur quelques principes directeurs pour appliquer la même logique à d’autres formes d’animation. C’est précisément ce que nous présentons dans cet article.
Pourquoi le dessin solide ?
L’animation repose sur des illusions d’optique, et au cœur de tout se trouvent les 12 principes de l’animation : un ensemble de lignes directrices que les animateurs utilisent depuis des décennies pour créer une animation crédible.
Parmi ces principes, le dessin solide crée une sensation clairement définie de tridimensionnalité au sein de cadres bidimensionnels afin de captiver les spectateurs.
Un aspect crucial du dessin solide est d’obtenir une silhouette bien définie pour les personnages et les objets.
En animation, les silhouettes jouent un rôle important pour rendre une scène visuellement lisible. Elles aident à distinguer rapidement différents personnages et objets les uns des autres. Sans silhouette forte, les personnages peuvent paraître plats, ou difficiles à différencier de leur décor.
Le dessin solide aide également les animateurs à dessiner les personnages de manière cohérente lorsqu’ils traversent différentes poses et perspectives, sans perdre ce qui rend leur design unique.
1. Les bases
Le dessin solide se résume à plusieurs concepts fondamentaux. Le premier consiste à comprendre les termes de base qui définissent un dessin :
- Forme - Pour un animateur, donner vie à un personnage ou à un objet commence par transformer les formes de base en formes dotées de profondeur. La forme renvoie à la nature tridimensionnelle d’un objet : en visualisant les personnages comme des volumes 3D (sphères, cubes et cylindres), ils peuvent conserver une cohérence à travers différentes poses.
- Volume - Le volume concerne la quantité d’espace qu’occupe un objet. Il empêche les personnages de paraître plats et incohérents lorsqu’ils se déplacent dans le monde animé : un objet doit conserver son volume tout au long de son déplacement dans l’espace, en se tordant ou en se pliant sans étirement ni rétrécissement maladroits.
- Proportions - Les proportions concernent les relations : les tailles relatives entre les différentes parties d’un objet ou d’un personnage. Les bonnes proportions sont essentielles pour obtenir des animations équilibrées, naturelles et faciles à ressentir.
- Perspective - La perspective crée une illusion de profondeur et d’espace, donnant au public une idée de l’endroit où se trouvent les objets et les personnages. Elle permet aux animateurs de modifier le point de vue, de guider l’attention du spectateur, et de renforcer la narration de la scène.
- Formes - Les formes sont la version 2D des volumes. Les ellipses, rectangles, triangles et lignes transmettent des émotions, définissent les personnages et instaurent des thèmes visuels. Consultez notre article dédié au langage des formes pour en savoir plus sur leur utilisation complexe.
Après avoir pratiqué ces bases, un animateur passe à des concepts plus complexes pour rendre ses dessins encore plus « solides ».
2. Ligne d’action
La ligne d’action est la ligne invisible qui guide l’axe principal et le flux d’une pose.
Chaque héros qui bondit dans les airs ou chaque méchant qui glisse dans l’ombre a une chose en commun : une ligne d’action puissante. Cette ligne dicte l’énergie et la direction de leur mouvement, comme l’ossature de la pose.
La ligne d’action n’est pas arbitraire : sa direction et sa forme donnent du sens à la scène tout en guidant l’attention du spectateur.
C’est un outil de clarté dans les scènes complexes, et une façon d’ajouter des effets dramatiques. La ligne d’action facilite aussi les transitions plus fluides entre les poses en suggérant les images clés.
3. Équilibre
L’un des concepts centraux pour obtenir des dessins équilibrés consiste à éviter la symétrie, souvent appelée « twinning » : le miroir involontaire d’éléments qui, dans le monde réel, paraîtrait rigide et artificiel.
Un personnage debout, avec les bras parfaitement symétriques le long du corps, semblerait étrange.
À la place, les animateurs ajoutent une touche d’asymétrie, en utilisant des silhouettes marquées, des torsions et des contre-poses. Par exemple, ils varient les angles des bras ou déplacent le poids sur une jambe.
Une silhouette forte communique clairement et rapidement les actions du personnage. Lors de la conception des poses, les animateurs réduisent leur personnage à une forme simple et reconnaissable. La pose possède une silhouette forte si l’action est facilement interprétable, même dans sa forme la plus simplifiée, sans détails.
L’intégration de torsions et de contre-poses dans vos dessins apporte un mouvement dynamique et une sensation d’énergie.
Une torsion se produit lorsque différentes parties du corps font face dans des directions différentes : par exemple, le torse tourne dans un sens tandis que le bassin regarde dans un autre, afin de mieux refléter la façon dont le corps humain bouge naturellement.
De la même manière, les contre-poses consistent à positionner le bassin et les épaules pour qu’ils se tournent vers des directions opposées.
4. Turnarounds
Un turnaround est un dessin d’un personnage qui pivote sur 360 degrés afin de fournir une vue complète depuis plusieurs angles.
En général, un turnaround inclut des vues de face, de profil, de dos et en trois-quarts pour aider les animateurs à maintenir une cohérence tout au long de la production.
Les incohérences de design peuvent nuire à l’expérience du spectateur ; il est donc important de conserver une largeur, une hauteur et des détails de design similaires.
Créer un turnaround oblige aussi l’artiste à comprendre chaque facette du personnage, ce qui implique de se pencher sur la manière dont les différentes parties du corps interagissent dans des poses et des angles variés.
Dans un studio d’animation, un turnaround bien réalisé constitue une référence fiable pour toute l’équipe d’animation. Il rationalise la production en permettant à différents animateurs de travailler sur le même personnage sans avoir besoin d’une supervision constante ni de corrections. Les reprises et les refontes sont coûteuses, donc mieux vaut les éviter.
Un exemple souvent cité est les planches de design de personnage utilisées dans les grands studios d’animation, où chaque personnage fait l’objet de nombreux dessins de turnaround pour ancrer solidement son design.
5. Pose / Dessin d’après modèle
Une autre façon de progresser en dessin solide consiste à pratiquer le dessin d’après modèle.
Le dessin d’après modèle consiste à croquer des modèles vivants pour saisir rapidement et fidèlement la forme humaine. Il implique généralement des poses courtes, chronométrées, appelées « gesture drawing » (dessin gestuel), où l’artiste capture rapidement la silhouette du modèle.
L’accent est mis ici sur la vitesse et la fluidité plutôt que sur la précision : vous êtes donc obligé d’appliquer les concepts du dessin solide.
C’est une excellente manière d’entraîner le regard et la main d’un animateur à saisir l’essence de la forme, du mouvement et de la répartition du poids : il faut distiller la forme humaine complexe en ses éléments fondamentaux, tout en évitant les détails inutiles qui alourdiraient vos personnages.
Envisagez de participer à des cours locaux de dessin d’après modèle ou de rejoindre des sessions en ligne si elles existent. Vous pouvez aussi consacrer quelques minutes chaque jour à dessiner des poses rapides à l’aide de ressources ou d’applications en ligne conçues pour le dessin gestuel ; ou simplement croquer une personne assise dans votre café ou bibliothèque préférés.
6. Éclairage
Sans ombrage, une simple sphère paraît plate. Mais dès que vous ajoutez une source de lumière, les reflets, les tons moyens et les ombres contribuent tous à un dessin réaliste.
L’éclairage influence la façon dont nous percevons les formes. Il détermine dans quelle mesure la forme et le volume d’un objet sont représentés efficacement.
Comme mentionné précédemment, la perspective vise à créer une représentation crédible d’un monde tridimensionnel, et l’éclairage est votre allié pour souligner la relation spatiale entre les objets : l’endroit où vous placez une source lumineuse influence la façon dont un objet projette des ombres et capte les reflets, renforçant ainsi sa place dans l’environnement. L’éclairage clarifie aussi quelles zones sont plus proches du spectateur ou s’enfoncent dans la distance, guidant le regard à travers la surface.
Conclusion
Le dessin solide relie la forme, le mouvement et la dimension pour créer des animations plus captivantes. En maîtrisant ses principes, vous parvenez à transformer même les dessins les plus banals en véritables récits.
Le dessin solide n’est toutefois pas la seule bonne pratique à prendre en compte dans votre animation : il existe 12 principes de l’animation à maîtriser, et vous aurez toujours besoin de discipline pour continuer à les pratiquer un par un.
