Il y a quelques années, j’ai accepté un poste de gestion de la production dans un studio. Il subissait une restructuration complète, mais le plan de financement avait été validé et les diffuseurs verrouillés.
Tout était sur les rails. Étape suivante : la gestion de la production.
Le studio venait de vendre sa toute première production en CGI, mais tout le développement avait été fait en 2D. Malgré cela, un revendeur de jouets est intervenu et a racheté les droits de commercialisation des personnages principaux de la série. Ça semblait annoncer un immense succès !
Définir le périmètre du projet
Pour commencer, j’ai fait une étude approfondie. J’ai relu les premiers scripts et me suis familiarisée avec les contrats. Les accords avec les diffuseurs et le fabricant de jouets semblaient assez classiques, mais quelque chose n’allait pas dans la version du contrat avec le studio d’animation. J’ai décidé d’aller plus loin.
Le studio d’animation n’avait jamais vu de script ni de synopsis. Vous pouvez donc imaginer ma surprise lorsqu’ils ont pu fournir une estimation et un calendrier sur la base du pitch uniquement. Depuis lors, les intrigues avaient évolué de manière drastique et le nombre de personnages principaux avait augmenté. Et le changement le plus important : chaque épisode se déroulait désormais dans un lieu différent. Le point inquiétant, c’est qu’aucune de ces modifications n’apparaissait dans l’estimation.
Ensuite, je me suis tournée vers les guidelines visuelles. Les personnages 2D étaient magnifiques, avec un côté mignon bien distinct : grosses têtes, petits corps, membres minuscules. Les supports de vente étaient tout aussi beaux, le tout dans des tons pastel. Le développement a été réalisé par une équipe de seulement deux personnes, et en regardant de plus près, j’ai compris qu’aucun test de modélisation ou d’animation n’avait été effectué. Les personnages pouvaient-ils toucher leur visage ? Pouvaient-ils se pencher ? À quoi ressemblaient-ils en marchant avec leurs petites jambes ?
J’avais besoin de réponses, mais je n’avais nulle part où aller — ceux qui avaient travaillé sur le projet avaient quitté l’entreprise dans le cadre de la restructuration. D’après ce que je voyais, aucun temps ni budget n’avait été prévu pour des tests à ce stade. « Il faut que cela soit prévu en amont de la production », ai-je conclu. J’ai aussi supposé que notre prestataire d’animation n’avait probablement pas non plus accès aux dernières conceptions 2D.
Passer à l’action
J’ai décidé d’aller à la source et j’ai demandé si je pouvais accompagner mon producteur lors de sa prochaine visite au studio. Surpris, il s’est tourné vers moi et m’a dit qu’aucune visite n’avait été planifiée. Je lui ai exposé mes doutes : ce studio de taille intermédiaire n’avait sans doute pas la capacité de prendre en charge notre projet au prix annoncé. Il a accepté de planifier une visite quelques jours plus tard.
Au studio d’animation
Tout a commencé par le déjeuner. J’ai essayé de faire part de mes inquiétudes concernant les nombreuses modifications apportées depuis la première estimation. J’ai insisté sur le fait que nous voulions travailler avec eux pour trouver une solution qui convienne à tout le monde : ne pas submerger l’équipe, ne pas rogner les marges et rester sur un budget fixe. La production allait être longue — il fallait poser les bonnes bases.
Le déjeuner s’est terminé et on nous a fait visiter le studio. Le bâtiment était ancien et vaste, avec plusieurs petites pièces. Chaque salle pouvait facilement accueillir 10 graphistes — voire 12 en hiver, s’ils voulaient rester au chaud !
On voit la première salle, puis une deuxième. Les deux sont vides — personne à l’horizon. Le matériel semblait aussi poser problème. À vrai dire, il y avait très peu de tablettes graphiques sur les bureaux et, en dessous, pas de tours informatiques : seulement des écrans débranchés, et des claviers sur les bureaux.
J’ai signalé cela à mon producteur. Il avait aussi remarqué qu’il n’y avait pas de climatisation dans ces pièces orientées au sud et chauffées. C’était le début du printemps et, dans notre bureau à quatre, c’était déjà étouffant et chaud. Comment font-ils ici ?!
D’une salle à l’autre, on continue à visiter leurs bureaux. Mentalement, je compte le nombre d’artistes que l’espace pourrait accueillir. Je demande, comme si de rien n’était, s’il serait possible d’en faire venir davantage si besoin.
Ils nous emmènent voir une salle annexe, cette fois sans isolation ni électricité. Le bureau était dans un état tellement déplorable que mon producteur avait de gros doutes quant à notre capacité à démarrer la production dans deux mois.
« Aucun souci », nous a dit le prestataire. « Un peu de cloison en plaques de plâtre, des rallonges et c’est bon ! »
On termine la visite par le « bureau informatique ». En réalité, c’était un seul homme dans la cave, entouré de 50 ordinateurs à moitié ouverts et partiellement assemblés, provenant tous de marques différentes.
« Au moins, on aura résolu le mystère des ordinateurs manquants », me suis-je dit.
Comment allaient-ils rendre toute cette matière première, avec un studio si mal équipé et un matériel dépassé ? Mes inquiétudes grandissaient, alors j’ai posé la question. Réponse ? Tout est apparemment rendu la nuit…
Il devenait de plus en plus clair que le studio allait vraiment avoir du mal à soutenir notre production. À la fin de la journée, nous nous sommes assis pour discuter de l’estimation et du planning. Autour de la table de réunion, le prestataire ne faisait que rassurer sur toutes les modifications. Puis, du coin de l’œil, je vois un grand tableau blanc avec leur planning de production pour l’année à venir. Il n’y a qu’une seule ligne : le nôtre.
Il est devenu instantanément évident que le studio était prêt à faire absolument n’importe quoi pour conserver ce contrat, même si cela signifiait sous-évaluer son travail et mettre son entreprise en danger.
En accord avec mon producteur, nous avons décidé immédiatement de chercher un autre prestataire pour notre production d’animation.
À retenir
Avant de signer avec un studio d’animation, il est important de vérifier plusieurs points :
- Réputation : sont-ils fiables ? Peuvent-ils fournir un travail de haute qualité ?
- Projets en cours : ont-ils la capacité de prendre en charge votre projet ?
- Technologie : le studio fonctionne-t-il correctement ? Est-il bien équipé ? Est-il déjà doté en personnel ?
Une fois que vous êtes sûr que ces conditions sont remplies, envoyez quelqu’un de votre équipe au studio. Le superviseur sera le point de contact entre le studio et le directeur.
Sur le long terme, cela permettra de gagner énormément de temps et d’éviter de nombreuses allers-retours. Le superviseur peut identifier rapidement les problèmes récurrents et les corriger. En général, vous constaterez probablement une amélioration du niveau global de production en ayant quelqu’un pour partager des conseils sur l’animation.
Maintenant que vous avez mis en place le bon cadre pour travailler avec votre studio d’animation, préparez-vous à voir une hausse de la productivité — et croisons les doigts pour que vous puissiez livrer votre film à temps !
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