L’animation est incroyablement complexe, comme l’écriture d’un roman. On ne se contente pas d’écrire une première ébauche : on commence généralement par un plan pour comprendre comment le roman va évoluer, sans entrer dans trop de détails.
De la même manière, les productions ne se font pas dans le vide : on commence par la prévisualisation pour explorer une idée et planifier le reste du travail.
Dans cet article, nous expliquons le rôle essentiel des artistes previs et comment ils transforment les idées en guides pour les animateurs. Nous verrons comment ces artistes planifient avec minutie des scènes complexes et comment ils s’assurent que chaque angle caméra et chaque mouvement s’intègrent parfaitement.
Qu’est-ce que la prévisualisation
La prévisualisation, ou previs, est le processus par lequel les animateurs créent une visualisation préliminaire de séquences à l’aide d’outils d’animation 3D.
Un artiste previs est chargé de créer ces versions animées « brouillon » afin d’aider à visualiser la manière dont une scène va se dérouler.
Par exemple, dans une scène de poursuite en voiture, l’artiste previs utilise un logiciel 3D pour simuler les angles de caméra, les mouvements des voitures et le timing, afin que les responsables et les animateurs puissent voir comment l’action se jouera avant d’aller plus loin dans le processus de production.
Pourquoi le previs
Le previs permet aux animateurs de visualiser des scènes complexes avant la production afin d’identifier les difficultés potentielles.
En repérant les problèmes et en perfectionnant les scènes en amont, le previs peut réduire considérablement les coûts de production en limitant le besoin de reshoots ou de corrections lors des étapes suivantes.
La prévisualisation aide aussi à la planification technique en cartographiant les angles caméra, les mouvements, l’éclairage et les effets, afin de s’assurer que tous les aspects techniques sont couverts.
Les livrables constituent un langage visuel commun qui facilite une meilleure communication entre les membres de l’équipe, des réalisateurs aux animateurs, jusqu’aux artistes VFX.
Les éléments du previs
- Concept art - Concept art est une représentation visuelle détaillée qui illustre le style, les couleurs, le design, les visuels, les environnements, les accessoires et l’apparence globale du projet. Il sert de référence et de guide visuel à l’équipe de production pour définir la direction esthétique du projet.
- Storyboard - Un storyboard est une série d’esquisses rapides représentant les plans prévus pour une animation. Chaque case montre un moment ou une action spécifique, accompagnée de notes sur le dialogue, les angles caméra et les mouvements. Les storyboards aident à visualiser l’histoire dans un flux narratif clair.
- Animatic - Un animatic est une version plus avancée d’un storyboard. C’est une version vidéo du storyboard montée avec du son pour créer une version animée approximative. Les animatics peuvent inclure des pistes musicales temporaires, des dialogues et des effets sonores. Ils donnent une meilleure idée du timing et du rythme, et de la façon dont le son et les visuels fonctionneront ensemble, mais surtout, ils peuvent éviter des erreurs coûteuses en mettant en évidence d’éventuels problèmes dans le déroulé de l’histoire et les transitions avant de commencer un travail d’animation plus coûteux.
Les storyboards mettent l’accent sur l’histoire et la composition des plans. Les animatics soulignent le timing, le rythme et l’intégration du son aux visuels. Le concept art se concentre sur les aspects de design et d’esthétique.
1. Maîtriser le mouvement de caméra
Il est important de se concentrer sur le développement d’une compréhension solide de techniques de mouvement caméra pour créer des séquences plus captivantes. Le travail caméra dirige l’attention du public, mais il peut aussi faire (ou défaire) l’impact émotionnel d’une scène.
- Planifiez vos plans avec des storyboards - Planifiez vos plans caméra avec des storyboards détaillés pour vous assurer que chaque mouvement de caméra renforce la narration plutôt que de la distraire.
- Utilisez des angles dynamiques - Intégrez un mélange d’angles caméra et de hauteurs pour varier et maintenir l’intérêt du spectateur. Par exemple, les plans en plongée donnent une impression de vulnérabilité, tandis que les plans en contre-plongée rendent les personnages plus puissants.
- Adoptez des transitions caméra fluides - Faites attention à la façon dont votre caméra passe d’un plan à l’autre. Évitez les coupes brutales en utilisant des mouvements de dolly fluides ou des whip pans pour garder la motion souple.
Par exemple, dans une scène d’action, tester des panoramiques rapides ou des zooms peut être une bonne façon de renforcer le sentiment de vitesse et d’urgence, et d’entraîner davantage le spectateur au cœur de l’action.
2. Aisance dans la conception du layout
Compétences en layout garantit que chaque image est visuellement équilibrée pour guider naturellement l’attention du spectateur vers les éléments clés.
Dans une scène de marché bondée, disposer les personnages et les accessoires de manière stratégique évite l’encombrement visuel et maintient l’attention sur le personnage principal.
- La règle des tiers - Divisez le cadre en une grille de 3x3 et placez les éléments clés aux intersections ou le long des lignes pour diriger le regard.
- Profondeur et superposition - Utilisez des calques au premier plan, au plan intermédiaire et à l’arrière-plan pour créer de la profondeur dans la scène et permettre au regard du public de se déplacer naturellement dans la composition.
- Lignes directrices et trajectoires du regard - Ajoutez des lignes, qu’elles soient des éléments structurels ou des formes, qui guident les yeux du spectateur vers le point focal. Cela peut être réalisé grâce à des accessoires placés en biais, aux regards des personnages, ou à des cheminements dans la scène.
3. Une communication efficace
Transmettre clairement vos idées et vos retours à travers les différents départements est primordial pour s’assurer que tout le monde travaille dans le même sens. Les livrables de prévisualisation vont définir l’essentiel du travail, après tout : toute l’équipe doit donc s’assurer de les réaliser correctement pour éviter les malentendus.
- Utilisez des supports visuels - Les storyboards, animatics et premiers modèles visuels servent à communiquer les idées plus efficacement en comblant les écarts de langage.
- Mettez en place une boucle de retour - Créez un processus structuré de feedback où les critiques constructives peuvent être partagées librement et fréquemment. Organisez des réunions de validation régulières ou des points d’avancement où les membres de différents départements peuvent apporter leur contribution.
- Documentez tout - Conservez une documentation complète de toutes les décisions créatives, des changements et des retours. Cela inclut le maintien d’une historique des versions des assets previs et l’indication claire des raisons des révisions. Cette documentation permet à chacun de retracer l’évolution du projet afin de réduire le risque de répéter des erreurs passées ou de passer à côté de retours importants.
4. Le timing de l’animation
Le timing est extrêmement important pour que le previs rende les séquences plus captivantes. Il fixe le rythme de la séquence et aide à transmettre au public l’intention de chaque action. Par exemple, il donne le ton de la tension dramatique ou des effets comiques.
- Utilisation des beats - Découpez les scènes en beats distincts pour mettre en avant les actions ou transitions clés. Cela aide non seulement à maintenir l’attention du public, mais garantit aussi que les éléments narratifs importants reçoivent le temps d’écran approprié.
- Rythme variable - Testez différents cadences d’action pour créer des impacts émotionnels variés : un rythme rapide peut construire l’excitation ou la tension, tandis que des actions plus lentes peuvent enrichir des moments dramatiques ou renforcer le développement des personnages.
- Ajustement de la vitesse de lecture - Reconsidérez régulièrement les séquences à différentes vitesses de lecture. Ralentir peut aider à repérer des décalages de timing ou des erreurs d’animation subtiles, tandis qu’accélérer permet de tester le flux et l’énergie de la scène.
5. Développer un œil cinématographique
Un bon artiste previs peut percevoir les scènes à travers une approche cinématographique : il prête attention à des éléments comme la caméra et le layout/la composition, mais aussi à l’éclairage et à l’ambiance générale.
- Étudiez le cinéma et la photographie - Portez une attention particulière à l’usage par les réalisateurs des angles caméra, des mouvements et des compositions de plans. Analysez des photographies pour comprendre l’éclairage, le cadrage et la règle des tiers.
- Entraînez-vous au croquis - Esquisser régulièrement des scènes vous permet d’expérimenter différentes idées visuelles sans investir trop de temps dans des logiciels 3D. Cela aide à entraîner votre regard à visualiser comment les scènes se traduiront à l’écran, en mettant l’accent sur l’importance de la perspective, de l’échelle et du flux visuel.
- Expérimentez différents scénarios d’éclairage et d’ambiance - L’éclairage ne sert pas seulement à illuminer une scène : il sert à définir le ton. Testez divers réglages d’éclairage pour comprendre comment ils influencent l’ambiance et la narration. Essayez de reproduire des situations d’éclairage issues de films célèbres pour voir concrètement comment la lumière peut transformer une scène.
Conclusion
La prévisualisation est tellement importante qu’elle peut faire ou défaire une production.
Ce n’est pas seulement un défi technique où vous devez maîtriser la caméra, le layout et le timing, mais aussi un défi de collaboration pour aligner le travail de tout le studio d’animation sur une vision unique. Le concept art, les storyboards et les animatics qui en résultent posent les bases de tout le reste.
Une fois le travail de l’artiste previs terminé, l’étape de production commence. Mais le travail ne s’arrête pas là : les artistes previs aident les autres animateurs à comprendre les livrables et à les transformer en produits finaux, tout en préservant la vision créative.
