Introduction
Vous mettez tout votre cœur dans la création d’une animation, pour vous rendre compte que le résultat final… est, disons, un peu terne. Ça bouge, ça a l’air correct, mais l’étincelle n’y est pas. La séquence a besoin de plus de travail : peut-être quelques suggestions de collègues ou d’un superviseur.
Inversement, observez votre série animée préférée et essayez de repérer ce qui la rend si attrayante, sans que vous ayez l’impression que le temps passe. Est-ce l’intrigue, le jeu vocal, la musique, les émotions représentées ?
Dans cet article, nous explorons 16 techniques d’animation pour rendre votre travail plus captivant. Il ne faut généralement pas grand-chose pour bien faire, mais le diable se cache dans les détails, et une seule retouche peut rendre votre animation mémorable.
Cette liste n’est pas exhaustive, alors n’hésitez pas à partager davantage avec nous dans notre communauté Discord de 1000+ animateurs. Sans plus attendre, plongeons-y !
1. Overlapping Action
Prenons l’exemple d’un personnage qui saute. Dans la vie réelle, les jambes poussent d’abord, puis le torse se soulève, et enfin la tête suit. L’overlapping action reproduit cela en animant différentes parties du corps avec des timings légèrement décalés. Certaines parties initient le mouvement (elles mènent l’action), tandis que d’autres réagissent avec un léger retard (elles suivent l’action).
Source : animost.com
L’overlapping action imite la façon dont nos corps bougent. En animant des parties du corps avec des timings indépendants, vous créez une sensation de poids, d’élan et de fluidité, que les mouvements statiques parfaitement synchronisés n’ont pas. Elle peut servir à souligner les émotions et les intentions d’un personnage. Un personnage dont le bras est en retard après avoir porté un coup transmet de la fatigue, tandis que des coups de cheveux exagérés pendant une course montrent l’excitation.
- Identifier les parties qui mènent et celles qui suivent - Décomposez l’action en ses éléments essentiels. Quelle partie du corps initie le mouvement ? Quelles parties réagissent avec un retard à cause de l’inertie ou du poids ?
- Décaler le timing - Animez d’abord la partie qui mène, puis les parties qui réagissent dans l’ordre. Par exemple, lors d’un saut, animez les jambes qui quittent le sol avant que le torse ne se soulève.
- Tenir compte du poids et de l’élan - Les parties plus lourdes prennent naturellement du retard sur les plus légères. Utilisez ce principe pour créer une sensation de corporalité.
2. Snappy Animation
L’animation « snappy » est une technique qui injecte du dynamisme dans vos personnages en créant un contraste fort entre les mouvements lents et rapides. Imaginez votre personnage qui adopte une pose puissante, la maintient une seconde, puis enchaîne rapidement et avec décision sur la prochaine action. Ce « snap » entre les poses capte l’attention du spectateur et met en valeur l’impact de l’animation.
Le contraste net entre les mouvements lents et rapides maintient le public accroché. Il est attiré par l’anticipation qui se construit pendant la pose tenue, puis surpris et ravi par la transition vive. L’animation snappy permet une représentation plus exagérée des émotions. Les poses tenues deviennent des moments où le personnage exprime clairement ce qu’il ressent, tandis que les transitions snappy soulignent l’intensité de ces émotions. En mettant en avant les poses clés, l’animation snappy rend l’action plus facile à suivre pour le spectateur. Le public peut clairement voir ce qui se passe à l’écran sans se perdre dans un flou de mouvement.
L’animation snappy se retrouve dans une grande variété de styles, des dessins animés classiques comme Looney Tunes aux animes modernes. Repérez les moments où les personnages maintiennent une pose puissante après un coup ou une frappe, ou encore où ils prennent une silhouette dramatique pendant un saut. Ces transitions rapides entre les poses sont des marqueurs de l’animation snappy.
3. Breaking Joints
Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les scènes de combat en dessin animé peuvent sembler tellement plus dynamiques que leurs équivalents en prise de vues réelles ? C’est parce qu’il existe une technique appelée « breaking joints » : exagérer la courbure et le mouvement des membres pour obtenir une animation plus agréable visuellement.
Concrètement, « breaking joints » consiste à pousser la plage de mouvement naturelle d’un membre ou d’une articulation pendant l’animation. Cela peut impliquer des courbures extrêmes, des étirements et des torsions impossibles dans la vraie vie. Au lieu d’une simple extension de bras lorsqu’un personnage porte un coup, l’animateur peut exagérer la flexion du coude et la rotation de l’avant-bras afin de créer une trajectoire puissante et très exagérée.
4. Fish Eyes
Une autre technique à envisager est la pose « fish-eye », où les yeux sont placés plus écartés qu’à l’ordinaire.
La pose « fish-eye » est un outil puissant pour l’effet comique, la surprise, voire la peur. Elle perturbe la répartition naturelle des yeux, captant immédiatement l’attention du spectateur.
Source : Naruto
5. Settle
Les derniers instants d’une animation peuvent être aussi marquants que son grand départ : un settle bien exécuté, ces quelques images animées qui servent à faire « s’installer » une action avant une pose de repos, ajoutent une touche de réalisme.
Une balle rebondissante ne s’arrête pas complètement net instantanément. Il y a un léger affaissement, puis une compression finale avant qu’elle ne se stabilise immobile. C’est ce mouvement subtil que capture un settle dans l’animation.
Les arrêts brusques paraissent artificiels. Les settles font le pont entre le mouvement et l’immobilité, en imitant l’inertie des objets du monde réel. Une pose de repos claire indique la fin d’une action. Sans settle, les spectateurs peuvent se demander si le mouvement est vraiment terminé. Cela peut être particulièrement important pour les animations rapides où la clarté est essentielle.
6. Overshoot
Reprenons l’exemple de la balle qui rebondit : lorsqu’elle touche le sol, elle se comprime légèrement avant de repartir vers le haut. Ce dépassement bref ajoute une sensation de poids et de réactivité à l’animation. L’overshoot correspond au fait qu’un élément animé dépasse temporairement sa position finale de repos, avant de revenir en douceur.
À condition de le garder subtil, l’overshoot ajoute une touche d’élan et d’énergie à vos animations. Il transmet un sens du mouvement et du poids, rendant même les mouvements simples plus vivants et plus captivants.
7. Animation Layer
Imaginez les layers d’animation comme des transparents sur un rétroprojecteur. Votre couche de base pose les fondations : elle contient généralement le mouvement principal de votre animation. Ensuite, vous ajoutez des couches secondaires par-dessus, qui apportent des détails subtils et des petits effets.
Imaginez animer un chien qui rapporte une frisbee. La couche de base montrerait le chien en train de courir (mouvement principal). Une couche secondaire pourrait servir à animer la queue qui bat (action subtile et indépendante). Grâce aux layers, vous pouvez ajuster facilement l’intensité du mouvement de queue, ou même le remplacer par une animation d’essoufflement — le tout sans affecter le mouvement principal de course.
Prendre en compte toutes les dimensions possibles d’un mouvement apparemment simple donne de la profondeur à votre animation.
8. Moving Hold
Une animation captivante ne repose pas seulement sur des mouvements spectaculaires ; elle a aussi besoin de moments d’immobilité qui semblent vivants. C’est là qu’intervient la notion de moving hold.
Un moving hold est une technique où un personnage semble tenir une pose, mais avec de légers mouvements subtils, presque imperceptibles. Cette animation légère empêche le personnage de paraître figé ou sans vie.
Par exemple, lorsqu’un personnage serre le poing, vous pourriez ajouter un léger tremblement dans la main pour suggérer une colère bouillonnante. Le mouvement doit rester à peine visible, comme une respiration légère, des transferts de poids ou des tressautements involontaires, tout en restant efficace pour transmettre une intention.
9. Rhythm
Le rythme est le résultat du timing, de l’espacement et de l’intensité :
- Le timing correspond à la vitesse à laquelle les objets ou les personnages se déplacent dans une scène. Les mouvements rapides créent une sensation d’urgence ou d’excitation, tandis que les mouvements plus lents peuvent construire une tension ou mettre en avant un détail particulier.
- L’espacement concerne la distance entre les objets ou les personnages tout au long de leur animation. Un espacement large peut créer une sensation d’isolement ou souligner l’ampleur d’un environnement, tandis qu’un espacement plus serré peut renforcer l’impression d’urgence ou de connexion.
- L’intensité renvoie à la puissance ou à la force derrière une action ou un geste. Un coup porté avec force aura un rythme différent d’une vague douce, et cette différence peut être utilisée pour transmettre toute une gamme d’émotions et d’idées.
Prenons une scène où un personnage court en direction du bord d’une falaise. L’animation peut commencer par des mouvements lents et délibérés pendant que le personnage prend de la vitesse, puis accélérer progressivement le timing et l’intensité pour créer une sensation d’urgence. Juste avant d’atteindre le bord, il peut y avoir une pause dramatique, suivie d’un saut rapide ou d’une tentative désespérée pour se mettre en sécurité. Chaque élément de cette scène, de la montée progressive lente jusqu’à l’explosion finale du mouvement, contribue au rythme.
Un rythme efficace aide à diriger l’attention du spectateur vers des parties précises de la scène, en s’assurant qu’il ne rate pas les détails importants. Des pauses soigneusement placées ou des montées en puissance lentes peuvent créer du suspense et faire naître l’anticipation pour la prochaine action. Le rythme d’une animation peut influencer directement les émotions qu’elle suscite. Un mouvement rapide et saccadé peut évoquer la peur ou la panique, tandis qu’un mouvement fluide et harmonieux peut traduire du calme ou de la grâce.
10. Smear Frames
Un smear frame est une image dupliquée ou fortement étirée de l’image précédente ou suivante, insérée stratégiquement pour une seule image. Cela crée un effet de flou qui met en valeur la vélocité de l’action.
Source : The Simpsons
Dans le monde réel, le mouvement n’est pas parfaitement net. Nos yeux perçoivent un flou pendant les mouvements rapides. Les smear frames imitent ce flou naturel. Cette technique brille particulièrement lorsque vous voulez mettre en avant une vitesse ou une force extrêmes. Imaginez un super-héros qui traverse l’écran en un éclair, ou un coup de poing puissant qui touche sa cible : les smear frames peuvent amplifier l’impact et rendre le mouvement encore plus saisissant.
11. Accents
Comme les acteurs mettent en valeur les moments clés d’une performance, les animateurs peuvent utiliser des accents pour faire ressortir des parties spécifiques de leur animation. Les accents sont des écarts délibérés par rapport au style ou au rythme d’animation standard :
- Mouvements ou expressions exagérés - Pensez à une surprise les yeux grands ouverts, à un saut de joie dramatique, ou à une mâchoire qui tombe sous l’effet de l’incrédulité.
- Changements de couleur ou d’éclairage - Un sursaut de luminosité pour souligner un moment clé, ou un personnage éclairé d’une autre couleur pour créer une ambiance distincte.
- Changements de style d’animation - Un bref passage à un style plus « cartoon » pour un moment humoristique, ou une transition vers une représentation plus détaillée et réaliste pour un accent dramatique.
Ils agissent comme un projecteur visuel, garantissant que le public se concentre sur le moment accentué tout en communiquant efficacement de la joie, de la peur, de la colère ou toute autre émotion que vous voulez faire ressentir aux spectateurs. Un accent bien placé peut empêcher l’animation de devenir prévisible et maintenir l’engagement du public.
12. Attitude
L’attitude du personnage correspond à l’état émotionnel sous-jacent et à la personnalité qui guident ses actions et ses réactions. Elle englobe leur niveau de confiance, leur tempérament et l’approche globale de la situation.
Quand les spectateurs comprennent l’attitude d’un personnage, ils peuvent éprouver de l’empathie, anticiper ce qui va arriver et se connecter avec lui à un niveau plus profond.
L’attitude guide les choix et les réactions du personnage, propulsant le récit vers l’avant d’une manière naturelle et captivante.
Quand vous animez, vous devez toujours avoir une image claire de l’attitude que le personnage a, afin de mieux réaliser la scène !
13. Silhouette
Bien qu’il puisse sembler n’être qu’une image basique en noir et blanc, une silhouette sert à vérifier la clarté d’une pose : en réduisant le personnage à sa forme essentielle, vous pouvez facilement déterminer si une action se lit correctement ou si le langage corporel transmet l’émotion voulue.
Source : Animator Island
14. Reference
Une référence consiste à utiliser des images vidéo tournées en prise de vues réelles, spécifiquement pour inspirer votre animation : les animateurs rejouent la scène eux-mêmes, la filment, puis utilisent ces images comme guide pour leur animation.
Les images en prise de vues réelles fournissent une mine d’informations sur la mécanique du corps humain, la répartition du poids et la façon dont les vêtements interagissent avec le mouvement. Étudier les références vous aide à créer des animations qui paraissent naturelles et crédibles. Elles permettent aussi de saisir des poses clés.
15. Balance
La balance renvoie à la répartition visuelle du poids dans votre animation. Assurez-vous qu’elle reste crédible.
Si vous tracez une ligne à travers le centre de votre personnage, une pose équilibrée garde la majeure partie de sa masse d’un même côté de cette ligne pour créer une sensation de stabilité et éviter que vos personnages aient l’air de pouvoir basculer.
Une animation bien équilibrée paraît plus naturelle et plus crédible pour le spectateur. Même lorsque les personnages sautent ou réalisent des acrobaties, une sensation de répartition du poids nous aide à comprendre les forces qui s’exercent sur eux. Si un personnage penche trop loin dans une direction, il peut devenir ambigu ce qu’il va faire ensuite.
16. Use Verticality
Notre monde naturel est rempli d’arbres imposants, de montagnes majestueuses et de paysages qui s’étendent à perte de vue. Mais dans l’animation, s’appuyer uniquement sur des horizons plats peut donner à vos scènes un rendu… plat. En intégrant des éléments verticaux, vous créez une sensation de dimension et vous entraînez le regard du spectateur dans le cadre.
Studio Ghibli, réputé pour ses animations à couper le souffle, est un maître de la verticalité : observez n’importe quel film de Hayao Miyazaki, et vous verrez des arbres qui atteignent le ciel, des personnages qui traversent des paysages en couches et des bâtiments qui s’étirent vers le haut. Ce n’était pas un hasard. Miyazaki lui-même a été fortement influencé par le travail de l’animateur français Paul Grimault, dont le film « Le Roi et l’Oiseau » (The King and the Bird) est un exemple parfait de la manière dont la verticalité peut servir à créer une profondeur saisissante dans l’animation :
N’ayez pas peur de remplir le cadre avec des éléments comme des arbres imposants ou des bâtiments au premier plan ou en arrière-plan. Cela crée une sensation de superposition et entraîne le regard du spectateur plus profondément dans la scène. Au lieu d’un paysage à un seul niveau, créez des environnements avec différentes hauteurs. Pensez aux collines vallonnées, aux ponts qui relient des zones élevées, ou aux personnages qui grimpent sur des structures. Cela ajoute de la complexité et de l’intérêt visuel. Utilisez des mouvements de caméra qui pivotent vers le haut ou vers le bas, en montrant l’ampleur de votre environnement. Jouez avec la perspective pour accentuer la verticalité.
Conclusion
Et voilà, c’est terminé. J’espère que vous aurez appris quelque chose !
Attirer l’attention du public est essentiel, et ce sont souvent les détails subtils qui font passer une animation d’ordinaire à extraordinaire.
Une grande animation s’inspire du monde réel. Que ce soit la façon dont un oiseau prend son envol, ou le léger changement de posture d’une personne qui trahit son nervosité, étudier le mouvement réel aide à insuffler à vos animations une authenticité. Cette authenticité, à son tour, favorise une connexion avec les spectateurs.
N’ayez pas peur d’expérimenter différentes techniques, d’essayer de nouveaux logiciels et de repousser vos limites créatives. Plus vous pratiquerez, plus vous vous sentirez à l’aise !
Assurez-vous de venir nous dire bonjour dans notre communauté Discord de 1000+ animateurs et de partager vos conseils !
