跳ねるボールをアニメーションする場合、最初のフレームで円を描き、それが上がっては下がる間ずっと同じ形状を各フレームで続けて描きたくなるものです。
固体ドローイングの原則を適用するには、ボールが動くにつれてどのように形が変化するのかを考えることになります。衝突の瞬間、ボールは重さと衝撃を示すために少しつぶれ、その後跳ね返る際に引き伸ばされます。ボールが観客に近づいたり遠ざかったりするとき、アニメーターは距離を示すためにその形をほんの少し調整し、さらに遠い位置ではエッジが内側に向かって先細りになります。
しかし、跳ねるボールだけがアニメーションではありません。同じ考え方を他の種類のアニメーションにも適用するための、いくつかの指針が必要です。それがこの記事でお伝えする内容です。
固体ドローイングがなぜ重要か？
アニメーションはすべて視覚的な錯覚のためのものであり、その中核にあるのがアニメーション12の原則です。これは、長年にわたってアニメーターが「説得力のあるアニメーション」を作るために使ってきた一連のガイドラインです。
これらの原則の中でも、固体ドローイングは二次元のフレーム内に、鑑賞者を惹きつけるための明確な三次元性を作り出します。
固体ドローイングの重要な側面は、キャラクターやオブジェクトに対して輪郭（シルエット）をはっきりと作り上げることです。
アニメーションにおいてシルエットは、シーンを視覚的に読みやすくする上で大きな役割を果たします。シルエットがあることで、異なるキャラクターやオブジェクトを一目で見分けられます。強いシルエットがないと、キャラクターが平面的に見えたり、背景と区別しにくくなってしまいます。
また固体ドローイングは、キャラクターがさまざまなポーズやパースの中で動いていく際にも、デザイン固有の魅力を失わずに、アニメーターが一貫して描けるようにするのにも役立ちます。
1. 基礎
固体ドローイングは、いくつかの土台となる概念に集約されます。最初のものは、ドローイングを定義する基本用語を理解することです：
- 形（Form） - アニメーターにとって、キャラクターやオブジェクトに命を吹き込むことは、基本的な形状を奥行きのある「形」に変換することから始まります。形とは、オブジェクトの三次元的な性質を指します。キャラクターを球・立方体・円柱のような三次元の形としてイメージできれば、異なるポーズ間でも一貫性を保てます。
- ボリューム（Volume） - ボリュームは、オブジェクトがどれだけの空間を占めるかということです。これは、アニメーションの世界でキャラクターが平面的で、動くたびに不自然に見えるのを防ぎます――オブジェクトは空間を移動する際、そのボリュームを保たなければならず、ぎこちない引き延ばしや縮小をせずに、曲げたりねじったりして動く必要があります。
- 比率（Proportions） - 比率とは、関係性のことです。つまり、オブジェクトやキャラクターの異なる部位同士の相対的な大きさのことを指します。比率を正しく取ることは、バランスがあり自然で、しかも共感しやすいアニメーションを生み出す鍵になります。
- パース（Perspective） - パースは、奥行きと空間の錯覚を作り出し、観客に対して「物やキャラクターがどこに位置しているのか」を感じさせます。これによりアニメーターは視点を切り替え、観客の注目点を導き、シーンのストーリーテリングを強化できます。
- 形状（Shape） - 形状は、形（Form）の二次元版です。楕円、長方形、三角形、線などは感情を伝え、キャラクターを定義し、視覚的なテーマを確立します。形状言語（shape language）に関する専用記事を見て、複雑な使い方の詳細を学んでください。
これらの基礎を練習したら、アニメーターは描画をさらに「固く」するための、より複雑な概念へ進みます。
2. アクションライン
アクションラインとは、ポーズの主要な軸と流れを導く見えない線のことです。
空中を跳ぶヒーローにも、影の中を忍び寄るヴィランにも、共通点があります。それは強力なアクションラインです。このラインが、ポーズの背骨のように、その動きのエネルギーと方向を決定します。
アクションラインは任意のものではありません。方向や形がシーンに意味を与え、鑑賞者の注意を導きます。
複雑なシーンにおける明瞭さのためのツールであり、ドラマチックな効果を加える方法でもあります。また、アクションラインはキーフレームを示唆することで、ポーズ間のよりスムーズな移行も促します。
3. バランス
バランスの取れた描画を実現するための中核となる概念の一つは、対称性を避けることです。これはしばしば「ツインニング」と呼ばれます。現実世界では硬く不自然に見えてしまう要素の、意図しない鏡映しが起きてしまう状態のことです。
腕を体側に真っ直ぐ下ろして立っているキャラクターが、完全に左右対称だと奇妙に見えてしまいます。
そこでアニメーターは、わずかな非対称さを加えます。強いシルエット、ねじれ、反対ポーズ（カウンターポーズ）を使うのです。たとえば腕の角度を変えたり、体重を片足に寄せたりします。
強いシルエットは、キャラクターの行動を明確かつ素早く伝えます。ポーズを設計するときは、キャラクターをシンプルで認識できる形にまで落とし込みます。ポーズの行動が、最も簡略化された状態でも容易に解釈できるなら、そのポーズは強いシルエットを持っています。
描画にねじれや反対ポーズを取り入れると、ダイナミックな動きとエネルギーの感覚が生まれます。
ねじれとは、体の各部位が異なる方向を向くことです。たとえば、胴体がある方向にひねられている一方で、腰が別の方向を向くようにすることで、人間の身体が自然に動く様子をより正確に反映できます。
同様に反対ポーズでは、腰と肩を互いに反対方向へ向けるように配置します。
4. ターナラウンド
ターナラウンドとは、キャラクターが360度回転する様子を描いたもので、複数の角度からの包括的な見え方を提供します。
通常、ターナラウンドには正面、側面、背面、そして3/4ビューが含まれます。これにより制作の過程でアニメーターが一貫性を保つのに役立ちます。
デザインの食い違いは鑑賞者の体験を損なうため、幅・高さ・デザインの細部を似た状態に保つことが重要です。
ターナラウンドを作ることは、アーティストにキャラクターのあらゆる面を理解させます。つまり、さまざまなポーズや角度で身体の各部がどう相互作用するのかに向き合うことを意味します。
アニメーションスタジオでは、きちんと作られたターナラウンドは制作全体のチームにとって信頼できる参照資料になります。これにより、制作中に絶えず指示や修正が必要にならず、複数のアニメーターが同じキャラクターに取り組みやすくなり、制作プロセスが効率化されます。撮り直しや作り直しはコストが高いので、それらは避けるのが最善です。
よく引用される例は、主要なアニメーションスタジオで使われる キャラクターデザインシートです。そこでは各キャラクターについてデザインを固めるために、徹底的なターナラウンドの描画が行われます。
5. ポージング／ライフドローイング
固体ドローイングが上達する別の方法は、ライフドローイングを練習することです。
ライフドローイングとは、生きているモデルをスケッチして、人間の形を素早く正確に捉えることです。通常は、ジェスチャードローイングとして知られる短時間の決められたポーズで行います。アーティストがモデルの形を素早く捉えることが求められます。
ここで重視されるのは精密さではなく、スピードと流れ（流動性）です。だからこそ、固体ドローイングの概念を適用せざるを得なくなります。
これは、アニメーターの目と手を鍛えるのに非常に良い方法です。つまり、形・動き・重さの配分の本質を掴むために、複雑な人間の形を基本となる要素へと凝縮し、不必要な細部でキャラクターを重くしないようにする必要があります。
地域のライフドローイング教室に参加するか、オンラインのセッションに参加できるならそうすることを検討してみてください。また、ジェスチャードローイング用に設計されたオンラインリソースやアプリを使って、毎日数分だけ素早いポーズをスケッチすることもできます。あるいは、お気に入りのカフェや図書館で座っている人をただスケッチするだけでも構いません。
6. ライティング
シェーディングがまったくないと、単純な球は平面的に見えます。しかし光源を導入すると、ハイライト、中間調、影のすべてがリアルな描画に寄与します。
ライティングは、私たちが形をどう認識するかに影響します。 それは、オブジェクトの形状やボリュームがどれだけ効果的に表現されるかを決めます。
先に述べたとおり、パースは三次元の世界を説得力のある形で表すことに焦点があり、ライティングはオブジェクト同士の空間的な関係を強調するための味方になります。光源の位置によって、そのオブジェクトがどう影を落とし、どこにハイライトが乗るかが決まり、環境内での配置がよりはっきりします。どの領域が観客に近く、どの領域が遠ざかっていくのかを明確にし、視線がキャンバス上を自然に移動するよう導きます。
結論
固体ドローイングは、形・動き・次元を結びつけて、より魅力的なアニメーションを作り出します。その原則をマスターすれば、どんなにありふれたドローイングでも、引き込まれる物語へと変えることができます。
ただし、固体ドローイングはアニメーションで考慮すべきベストプラクティスの中でも唯一のものではありません。アニメーション12の原則をマスターする必要があり、それぞれを練習し続けるための規律もまた求められます。
